SUBLIME IRREALIDADE

Os Descendentes

2012-02-11T15:43:00.001-02:00

Os Descendentes (The Descendants) - 2011. Dirigido por Alexander Payne. Escrito por Alexander Payne, Nat Faxon e Jim Rash, baseado na obra de Kaui Hart Hemmings. Direção de Fotografia de Phedon Papamichael. Produzido por Alexander Payne, Jim Burke e Jim Taylor. Fox Searchlight Pictures / EUA.

Os Descendentes (2011) não é melhor filme de Alexander Payne e também não traz a melhor atuação da carreira de George Clooney… Mas não, eu não o considero superestimado, cada um dos elogios que ele recebeu e prêmios aos quais ele foi indicado, foram realmente merecidos. Pode parecer que eu estou me contradizendo, mas não, este é o tipo de filme no qual o atrativo transcende qualquer uma de nossas noções de técnica, narrativa, ou de atuações. O impacto causado pelo longa não pode ser explicado tão facilmente, não é algo que pode ser mensurado e não tem nenhuma categoria em festivais ou premiações que valorize tal tipo de efeito. A reação que ele nos provoca é subjetiva e se dá de uma forma sutil, sem qualquer tipo de apelação, é um impacto causado pelo realismo desmascarado, sem fantasias ou adornos... O foco da narrativa de Os Descendentes é uma família nuclear não tão bem estruturada, como em tantos outros filmes que abordam tal temática, neste as relações conjugais e entre pais e filhos apontam para uma crise maior, que não é algo ficcional, é uma crise generalizada que afeta ameaça a família como instituição.

Matt King (George Clooney) é um advogado havaiano bem sucedido em sua profissão, ele é um dos herdeiros de uma verdadeira fortuna em terras e é também o depositário do fundo que administra os bens de sua família. Ele, diferente de seus parentes, prefere trabalhar duro a contar com a riqueza acumulada pelos seus antepassados, mas é por trabalhar demais que ele acabou se distanciando da esposa e das duas filhas. Um evento inesperado trará segredos à tona e lhe fará rever sua postura como marido e como pai, ainda que seja tarde demais para reparar alguns erros cometidos no passado. Elizabeth (Patricia Hastie), a esposa de Matt, sofreu um grave acidente no mar, enquanto praticava um esporte radical, ela entrou em coma e ele se viu obrigado a cuidar sozinho de Amara Miller (Scottie), sua filha caçula de 10 anos. Percebendo a necessidade de reunir sua família, Matt vai ao encontro de Alexandra (Shailene Woodley), a filha mais velha de 17 anos, ela estava morando em uma outra ilha, onde estudava em um colégio interno, ela é rebelde e seu comportamento, ao que tudo indica, é um resultado de sua conturbada relação com seus pais.

“Meus amigos do continente pensam que só porque eu moro no Havaí eu vivo no paraíso, como férias permanentes, que nós só vivemos tomando drinques, mexendo os quadris, pegando onda… Eles são loucos? Eles acham que nós somos imunes à vida? Como eles podem pensar que nossas famílias são menos fracassadas, que nosso câncer é menos fatal, ou que nossos infartos são menos dolorosos? Há 15 anos que não subo em uma prancha, droga!”

Como se não bastasse a relação complicada com as filhas e o estado de saúde delicado da esposa, Matt ainda tem que lidar com os interesses de seus primos ambiciosos, que esperam que ele conclua o mais rápido possível a venda das terras pertencentes á família. O problema é que dois dentre os descendentes não aprovam a transação, gerando intrigas e divisões. Além disso, a venda da propriedade iria impactar de forma negativa na vida dos habitantes da ilha, que de uma forma ou de outra dependiam daquele espaço e de seus recursos para sobreviverem, isso faz com que Matt seja visto como um vilão pela população local. Em meio a este turbilhão de coisas, que estão acontecendo ao mesmo tempo, ele precisará sair de sua aparente situação de conforto para enfrentar a vida que se levanta contra ele, para isso ele e suas filhas precisarão amadurecer, não como indivíduos, mas como família...

Na sutileza que lhe é característica, Payne vai desenhando a fragmentação e o distanciamento da família de Matt a cada sequência. Diversas situações no filme apontam para a desestruturação e consequente decadência não só do lar retratado, mas da família como instituição, em uma das cenas um dos primos de Matt lhe diz: "Vamos processá-lo Matt. Só porque você é advogado, não significa que o resto de nós terá medo de processá-lo... Mas ninguém quer fazer isso, somos uma família!". Tal declaração chega a ser quase irônica dado o contexto no qual ela é dita, o "somos uma família" que ele diz cai quase como uma bomba sobre nossas próprias convenções e deixa clara a angulação temática que o filme segue... Ainda que a esposa de Matt esteja em coma, seus primos só conseguem pensar no dinheiro que conseguiriam ao vender suas herdades, em nenhum momento os vemos tentando consolar as garotas ou dizendo algo que soasse no mínimo sincero. Mas o próprio Matt também capenga no quesito relação familiar, em determinado momento no início do filme, ele se preocupa mais em descobrir a melhor forma de dar as más notícias para os familiares e amigos, do que em dar o apoio e a atenção que suas filhas precisam naquele momento.

Alexandra busca fora do seio familiar o afago que precisa, é aí que entra em cena o estranho Sid (Nick Krause), um de seus amigos que ela trouxe para passar uma temporada com sua família, ele é um personagem que funciona como alívio cômico no filme, sua "inocência" e falta de noção, além de o coloca-lo em diversas situações embaraçosas, ainda funcionam um facilitador, um canal para que algumas das verdades, que alguns dos personagens tentam camuflar, venham à tona (prestem atenção em alguns dos diálogos dele com Matt). É interessante perceber o quanto cada um dos personagens vão se transformando durante a trama, sem que isso seja mostrado como algo surreal ou forçado demais. Os Descendentes nos leva à uma reflexão necessária acerca do como uma família não tão bem estruturada pode ser tão nociva para cada um de seus membros, ainda que as aparências apontem para algo diferente. O filme transita por momentos duros, mas também por aqueles nos quais redescobrimos o quanto é importante estar realmente próximos daqueles a quem amamos, para algumas famílias estes momentos podem ser raros, mas quando acontecem são capazes de sobrepor a dor de todos os outros, por mais duros que eles sejam...

Só não considero Os Descendentes o melhor filme de Payne porque ele tem Sideways (2004) no currículo e esta só não é a melhor atuação de Clooney, simplesmente porque seu desempenho em Conduta de Risco (2007) chega a ser surreal de tão extraordinário. No entanto nada disso importa, a verdade é que esta é uma pequena obra prima, à qual alguns poderão até ficar indiferentes pela falta de sensibilidade à abordagem intimista que o filme tem, contudo ele é na minha opinião uma daquelas produções que transcenderão o momento de glória proporcionado pelo entusiasmo da crítica especializada e pelos prêmios que tem ganhado. Este é um daqueles filmes capazes de nos emocionar e nos levar à uma reflexão profunda acerca de nossas próprias vidas e daquilo que valorizamos como indivíduos e como sociedade. O filme tem uma bela fotografia, que valoriza muito bem cada uma das locações, e a trilha sonora composta por canções havaianas também é ótima, mas estes não são nem de longe os melhores aspectos do filme. Os Descendentes pode não ser o meu favorito na famigerada disputa ao Oscar 2012, mas se ele ganhar, ao menos terei a impressão de que alguma justiça foi feita. Recomendo!

Os Descendentes está indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Filme, Diretor, Ator (George Clooney), Roteiro Adaptado e Montagem. No Globo de Ouro, o filme venceu nas categorias de Melho Filme de Drama e Ator (George Clooney), tendo sido indicado também aos prêmios de Melhor Diretor, Atriz Coadjuvante (Shailene Woodley) e Roteiro.

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Confiram também aqui no Sublime Irrealidade a crítica de As Confissões de Schmidt (2002), também dirigido por Alexander Payne.

Um Gato em Paris

2012-02-07T07:22:00.000-02:00

Um Gato em Paris (Une vie de chat) - 2011. Dirigido por Jean-Loup Felicioli e Alain Gagnol. Escrito por Alain Gagnol e Jacques-Rémy Girerd . Música Original de Serge Besset. Produzido por Jacques-Rémy Girerd. Folimage / França| Suiça | Países Baixos | Bélgica.

Se O Artista (2011) de Michel Hazanavicius é o contraponto perfeito para produções cinematográficas nas quais o avanço da técnica e os efeitos especiais se sobrepõem à trama e ao valor artístico, Um Gato em Paris (2011) de Jean-Loupe e Alain Gagnol, outro filme francês, é então a antítese perfeita das animações digitais produzidas atualmente por estúdios como Pixar e Dreanworks. O filme, feito praticamente sem computação gráfica, se vale do tradicional uso de telas e lápis coloridos e o resultado é surpreendentemente belo. Tanto O Artista, quanto Um Gato em Paris, nos fazem lembrar que tecnologias tidas como obsoletas podem ainda gerar obras geniais e inovadoras. Eles nos lembram ainda que a fantasia e a mágica das imagens em movimentos nem sempre estarão atreladas à espetacularização proporcionada pela tecnologia e que nada pode substituir o prazer de assistir uma história simples, cativante e cheia de poesia visual.

Um Gato em Paris não é do tipo de animação “recomendável á todas as idades”, não que ele possua temática ou linguagem adulta ou conteúdo desapropriado, mas por causa de seu estilo não tão convencional, que nos parece tão estranho à primeira vista. Tal sensação de estranhamento pode ser ainda maior nas crianças, dificultando assim a apreciação e compreensão da história e dos personagens. A trama do filme, é até bem simples, porém cheia de pequenas nuances, ela pode ser apontada como uma espécie de realismo fantástico, pois apesar de fantasiosa, a história aborda temáticas bem reais. O longa ainda se difere de outros filmes do gênero por não humanizar a personalidade do felino ao qual o título se refere. Dino, o gato protagonista, apesar de demonstrar uma inteligência atípica, não anda sobre duas patas e tão pouco fala. Os personagens humanos, ao mesmo tempo que vivem dilemas e situações típicas da vida adulta, se comportam na maioria das vezes como meninos. Esta caracterização não tão bem definida entre adultos e crianças é uma das principais características do filme, ela influencia diretamente na forma com que nós espectadores o decodificamos.

Zoé, a dona de Dino, é uma garotinha que deixou de falar desde que o pai, um policial, foi morto por um bandido cruel. Ela mora com sua mãe, Jeanne (voz de Dominique Blanc), uma atarefada delegada de polícia, que tem pouquíssimo tempo para dar a atenção que a filha precisa. Zoé fica aos cuidados de uma babá de caráter duvidoso, porém passa a maior parte do tempo sozinha, não é atoa que o gato Dino é melhor amigo dela, ambos não falam e apesar disso conseguem se compreender, naquilo que parece ser um pacto de silêncio mútuo. Todos os dias à noite o bichano sai para longos passeios pelas ruas de Paris, sua dona não sabe para onde ele vai, tão pouco com quem ele vai… Ele acompanha Nico (voz de Bruno Salomone), um ladrão de jóias, em aventuras noturnas pelos telhados de casas e prédios da cidade luz. Quase que por acaso, Zoe, Dino e Nico, acabam cruzando o caminho do mafioso Victor Costa (voz de Jean Benguigui), o bandido que matou o pai da garota.

Como eu disse, em Um Gato em Paris mesmo os personagens adultos se comportam como crianças quando expostos à determinadas situações, isto pode ser percebido no viés cômico do vilão Victor Costa (apesar de ele ser um personagem malvado), no medo que ele provoca na mãe de Zoé (ela o imagina como uma espécie de “bicho Papão”, um monstro com tentáculos com quem ela tem pesadelos) e até na aparente falta de motivos que pudessem levar Nico a se tornar um ladrão, afinal ele não é um personagem ruim, ele age como um garoto que não tem consciência de que o que está fazendo é errado... Toda a história parece ser contada partindo da perspectiva de uma criança; para os pequenos o que torna um personagem ruim não é o fato de ele transgredir uma lei e sim algum ato de crueldade que ele possa ter cometido, ou vir a cometer contra alguns dos personagens bons, isso explica as conotações de caráter distintas com que Victor e Nico, mesmo sendo ambos ladrões, adquirem no filme.

Esta visão quase infantil de uma trama que não é tão infantil assim (se é que me entendem) é o que torna o filme especial. Ele de fato não parece ter sido feito para crianças pequenas e sim para adultos e para aquelas mais crescidinhas, que poderiam compreender e digerir bem uma trama que aborda temas sérios e controversos como assassinatos, perda de um ente querido, banditismo, vinganças e traumas. O mais interessante é que Um Gato em Paris é capaz de transportar a nós adultos à uma espécie de idealização da infância perdida, um lugar onde a nossa maturidade se confronta com a criança que fomos um dia, um lugar de sonhos e fantasias, onde a vida e as pessoas são mais simples. Nesta viagem algo de belo e poético acontece, sutilmente somos confrontados acerca de nossos julgamentos, de nossa ética e de nossa tão presumida maturidade. Por que nós espectadores nos flagramos torcendo em favor de um dos ladrões (a quem nos afeiçoamos durante a história) e contra o outro (a quem repudiamos desde a primeira vez que aparece), sendo que são ambos criminosos?

Cada fotograma de Um Gato em Paris parece explodir em uma porção de cores, que se harmonizam entre si apesar das tonalidades fortes, criando assim quadros belíssimos. Ao assisti-lo preste atenção na sutileza dos movimentos dos personagens, nos detalhes do cenário e na forma com que o jogo entre sombra e luz é construído, fazendo com que cada ambiente pareça estár sendo iluminado à luz de velas. A trilha sonora do filme também é linda, ela ajuda a nos transportar para uma realidade bela, surpreendente e de uma belíssima poética, onde o nosso eu menino, embotado de emoções diversas, afronta a sabedoria do adulto que nos tornamos. Esta maravilhosa animação de Jean-Loupe e Alain Gagnol é a única capaz de subverter, com mérito real, o favoritismo de Rango (2011), que considero ótimo por outros aspectos, ao Oscar de Melhor Longa de Animação. Ultra Recomendado!

Um Gato em Paris está indicado ao Oscar na categoria de Melhor Longa de Animação.

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Precisamos Falar Sobre o Kevin

2012-02-04T18:23:00.000-02:00

Precisamos Falar Sobre o Kevin (We Need to Talk About Kevin) - 2011. Dirigido por Lynne Ramsay. Escrito por Lynne Ramsay e Rory Kinnear, baseado na obra de Lionel Shriver. Direção de Fotografia de Seamus McGarvey. Música Original de Jonny Greenwood. Produzido por Jennifer Fox, Luc Roeg e Robert Salerno. BBC Films e UK Film Council / UK | USA.

Precisamos Falar Sobre o Kevin (2011), dirigido por Lynne Ramsay, adaptado da obra homônima de Lionel Shriver, é o tipo de filme cuja trama nos induz a uma infinidade de questões filosóficas e sociológicas. No entanto, ele apenas levanta tais questionamentos sem apontar nenhuma resposta e é aí que está parte de sua genialidade. A obra foge de qualquer lugar comum ao abordar temas como a educação infantil, a origem da maldade no indivíduo e o limiar da loucura. No livro, que ainda não li, a autora parte do ponto de vista de uma mãe, cuja vida foi destruída pelos atos violentos do filho, para contar a história, a narrativa se desenvolve através de cartas que a mulher envia para o marido, que sempre esteve ausente, nas correspondências ela relata suas dores e traumas. No filme, a mulher perde a condição de narradora e se torna um dos alvos da câmera que foca sua família de forma não passional e destituída de quaisquer sentimentalismo.

O filme se desenvolve de forma não linear, através de uma montagem sublime, que a princípio parece nos induzir a crer que situações mostradas através de flashbacks podem explicar o desfecho trágico da história, contudo não é tão simples assim.Na trama, Kevin (vivido por Ezra Miller na adolescência e por Jasper Newell e Rock Duer, em períodos distintos da infância) veio ao mundo como fruto de uma gravidez indesejada, desde bem pequeno ele demonstra um comportamento agressivo e arredio, curiosamente a situação se agrava quando ele está perto da mãe, Eva (Tilda Swinton), em diversas cenas ele aparentemente tenta chamar a atenção dela, fazendo desde pequenas bagunças a atos de crueldade. Franklin (John C. Reilly), o pai de Kevin, é na maior parte do tempo negligente e permissivo, para ele o comportamento do filho é normal em uma criança de sua idade. Tudo piora quando nasce Celia (Ashley Gerasimovich), a segunda filha do casal, Kevin não aceita a chegada da irmanzinha, uma vez que ela representa para ele o risco de perder a atenção constante que a mãe lhe devota.

A falta de autoridade de Franklin e incapacidade de Eva de lidar com Kevin sozinha apontam para o desfecho trágico, prenunciado desde o início do filme. Algo irá acontecer e Eva terá toda sua vida destruída, ela perderá a família, o emprego e passará a ser agredida, verbalmente e fisicamente, nas ruas. Já sabemos de tudo isso desde os primeiros minutos do longa, só não nos é revelado o que teria acontecido de tão grave, para deixar Eva no estado em que ela se encontra. Ainda que já soubéssemos de antemão o que iria acontecer isso faria pouca ou nenhuma diferença, uma vez que o que importa no filme não é o que acontece, mas os questionamentos a que ele nos leva em seu desenvolvimento.

A montagem, como eu disse acima, se vale de flashbacks para buscar na infância de Kevin os motivos de seu comportamento violento na adolescência, no entanto tais motivos não ficam claros. Curiosamente, na maioria dos flashbacks é mostrado o relacionamento de Kevin com a mãe e poucas vezes com os demais familiares ou com outras pessoas, a trama também deixa claro que o comportamento dele era bem menos violento com o pai do que com a mãe, isso me leva a concluir que a montagem propositalmente nos induz a enxergar Kevin como um personagem maniqueísta, passamos a vê-lo como alguém naturalemnte ruim (como a mãe o vê), quando na verdade não é bem assim. Quando se percebe que sua "maldade" não lhe é intrínseca, o leque de possíveis respostas ao questionamento central do filme se abre. A pergunta feita é: “Por que? Com qual propósito?”. O que teria levado Kevin aos atos violentos que destruiu a vida de sua mãe? Seria uma má criação? A incapacidade de Eva, ou talvez o distanciamento de Franklin? Ou seria a falta de diálogo entre ambos (conforme sugerido pelo título). Ou seria talvez culpa da sociedade? De fato o roteiro não nos aponta respostas para nenhuma destas perguntas… Talvez seja um conjunto de fatores associados ao psicológico do garoto que vê na mãe uma antagonista e ao mesmo tempo uma platéia para o seu show...

Precisamos falar sobre Tilda Swinton, ela está simplesmente perfeita no papel de Eva. Ela incorpora de forma assustadora as transformações que a personagem experimenta durante tempos distintos da narrativa, indo de um mãe dedicada, á uma mulher frustrada com a maternidade e incapaz de amar o próprio filho, isso para logo em seguida serem ambas imagens despedaçadas, dando lugar à uma figura melancólica, vazia, apenas um corpo sem alma, que parece experimentar uma espécie de morte em vida... Tilda torna os sentimentos e as dores de sua personagem quase palpáveis, a perfeição de sua interpretação está hora na expressão facial, que denota desespero ou raiva, ora no olhar vazio, no qual somos incapazes de identificar qualquer sentimento humano. Precisamos falar também de cada um dos atores que que interpretam Kevin, a atuação deles são também impecáveis (sem contar a aparência física entre eles), o que torna o personagem ainda mais real e repulsivo. Eles dão vida a um dos personagens mais odiáveis do cinema contemporâneo, uma verdadeira façanha, tendo em vista que tal personagem é (durante maior parte do filme) uma criança. Prestem atenção nos olhares trocados em diversos momentos do filme entre Tilda e e cada um dos três atores.

Precisamos falar também sobre a trilha sonora, a fotografia e a montagem, cada um deste aspectos são também dignos de aplausos de pé. [Alguém me explique como um filme deste é esquecido em quase todas as premiações da temporada…] A trilha sonora, composta por Jonny Greenwood, guitarrista do Radiohead, é excelente, ela ajuda a criar a atmofesra opressiva e angustiante, que predomina em todo o longa, e ainda a fazer alguma ligação entre as sequências fragmentadas. A fotografia é belíssima, ela, assim como a trilha, parece colaborar diretamente com a montagem produzindo rimas visuais, como por exemplo o uso da cor vermelha, que ganha destaque em diversas cenas, com o intuito de estabelecer uma relação entre diferentes espaços de tempo da trama... A montagem é caracterizada por tal tipo de rima, que parece costurar cenas de momentos narrativos diferentes, gerando assim uma espécie de mosaico, formado com cacos de lembranças que nos remetem à fragmentação da mente dos personagens centrais.

A direção de Lynne Ramsay é surpreendente, por não permitir que o filme se tornasse apenas mais uma adaptação ancorada no sucesso da obra que lhe originou. Ramsay ao que tudo indica respeitou a história original, porém ciente de que adaptações na trama seriam necessárias para que o filme não pendesse para lugares comuns, como a exploração da comoção do expectador ou apontamento de respostas fáceis para os questionamentos propostos. O roteiro assinado por ela, em colaboração com Rory Kinnear, consegue dar ao filme uma vida própria, tornando-o grandioso, sem que ele para isso dependa do livro que o originou, o resultado final não denota nenhum problema relacionado à transição de linguagem, como frequentemente acontece. Precisamos Falar Sobre o Kevin é arte, é cinema, é o tipo de adaptação que nos faz ficar curiosos e ao mesmo tempo receosos em relação à obra original, afinal, será que ela alcança tamanho nível qualidade? Acho que não precisamos falar mais nada sobre nada… Simplesmente o assista!

Precisamos Falar Sobre o Kevin foi indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Atriz (Tilda Swinton). No Bafta, ele está concorrendo nas categorias de Melhor Filme Britânico, Melhor Diretor e Melhor Atriz (Tilda Swinton). O filme ainda foi selecionado para a mostra principal no Festival de Cannes, onde concorreu à Palma de Ouro.

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Mad Men - A Série

2012-02-02T18:43:00.000-02:00

Uma reconstrução perfeita de um período de antíteses, transformações e de costumes que hoje nos parecem absurdos!

A década de 60 foi um período de intensas transformações políticas e culturais, durante aqueles anos foram lançados alguns dos fundamentos daquela que viria a ser chamada de sociedade pós-moderna. Em todo o mundo, aquele foi um tempo de antíteses e contradições, se por um lado havia um temor constante e generalizado, justificado pela ameaça de uma guerra nuclear entre os blocos capitalista e comunista, por outro o consumo ganhava proporções até então inimagináveis. Os Estados Unidos tinham saído muito da segunda guerra, a economia do país crescia e a qualidade de vida tinha melhorado bastante desde a década anterior. O otimismo econômico, associado às incerteza em relação ao futuro e aos temores de cunho político, tornava a população cada vez mais imediatista e materialista e, sendo assim, mais suscetível à publicidade. Todo este contexto dava um novo vigor ao American Way of Life, ideal de felicidade que seria reconstruído pelos publicitários a partir de então. Neste período surgiriam algumas das agências de publicidade que iriam reinventar a forma de fazer a propaganda e a comunicação de massa.

É neste contexto histórico que a série Mad Men, exibida nos Estados Unidos pela AMC e no Brasil pela HBO, se passa. A produção, idealizada por Matthew Weiner (o mesmo criado de Família Soprano), faz uma reconstrução meticulosa e detalhista dos anos 60 e de seus costumes e personagens. O desenrolar da trama começa no início da década e o tempo avança lentamente no decorrer das temporadas. No microcosmo focado pela série, o de uma agência de publicidade, vemos os reflexos de diversos temas e acontecimentos que marcaram aquele período, dentre eles os movimentos pelos direitos civis, a inserção da mulher no mercado de trabalho, a beatlemania e a revolução comportamental...

Já em seu primeiro episódio a série nos provoca um verdadeiro choque, que se dá pelo estranhamento diante daquilo que nos é mostrado. O roteiro parece fazer questão de ressaltar o quanto o mundo mudou em relativamente tão pouco tempo. Nos chega a parecer surreal as garrafas de uísque nos escritórios e nas salas de reunião e a naturalidade com que elas são esvaziadas durante o horário de trabalho. É estranho também ver cenas como a que mostra uma mulher grávida que fuma tranquilamente, sem parecer se preocupar com isso. O cigarro (que é quase um personagem na série) talvez seja o elemento que melhor ilustre as mudanças experimentadas pela sociedade desde a época retratada até hoje. Na série, ele está aceso em escritórios, consultórios médicos, restaurantes, na igreja e até mesmo em ônibus, aviões e elevadores; aquele era um tempo no qual o hábito de fumar ainda estava associado à virilidade e à sensualidade, na ocasião ainda se falava pouco dos males provocados pelo tabagismo. Curiosamente, a publicidade que vendia os "benefícios' do cigarro é a mesma que tempos depois viria a transforma-lo em um dos maiores vilões da sociedade... Tais processos de transformação de ideias e de verdades são mostrados de forma espetacular na série.

Outros pequenos detalhes, que ressaltam a transformação do mundo nas últimas décadas, podem ser percebidos em todos os episódios. Em uma cena de um dos capítulos da segunda temporada, a família do personagem central faz um piquenique em um parque, na hora de ir embora o personagem apenas sacode a toalha deixando seu lixo espalhado sobre a grama... Situações como esta seriam um incentivo ao politicamente incorreto? Não, de forma nenhuma, é apenas uma reconstrução realista de uma época em que que quase não se falava em consciência ambiental. Outro aspecto que chama a atenção é a situação das mulheres que começavam a chegar ao mercado de trabalho, elas são sujeitas à humilhações e situações constrangedoras. No primeiro episódio, um homem, ao ensinar uma secretária novata a usar a máquina de escrever, diz: “Parece complicado, mas os homens que projetaram essa máquina a fizeram fácil o suficiente para as mulheres entenderem”. Sem comentários... A série também mostra de forma magnífica como as transformações de tal realidade vão acontecendo, algumas de forma lenta, outras em um picar de olhos...

A expressão que dá nome à série é usada até hoje para definir os profissionais de publicidade que se concentram em Manhattan, na Madison Avenue, é obviamente um trocadilho, uma vez que expressão significa “homens loucos”. O personagem central de Mad Men é o publicitário Don Draper (Jon Hamm), diretor de criação na agência fictícia Sterling Cooper, em torno dele e de seus relacionamentos profissionais e familiares são desenvolvidos os conflitos da série. Draper é casado com a belíssima Betty (January Jones), ela que fora uma modelo bem sucedida se tornou depois de casada a clássica dona de casa, cuja vida se resume a cuidar dos filhos (ela tem dois) e do marido. Ela é frustrada e melancólica e seu quadro é agravado pela morte recente de sua mãe e pelo distanciamento afetivo do esposo. Peggy Olsen (Elisabeth Moss) é a nova secretária de Don, o primeiro episódio da série a mostra em seu primeiro dia de trabalho na Sterling Cooper, ela é uma das personagens através das quais a série aborda a questão da inserção da mulher no mercado de trabalho. Ela, desde sua chegada à empresa, se torna vítima do assédio sexual e do descrédito de seus colegas.

Pete Campbell (Vincent Kartheiser) é gerente júnior na agência, ele é o personagem que mais se aproxima de um antagonista, ele é ambicioso e está disposto a qualquer coisa para ter uma ascensão rápida na empresa, sua atual posição foi conquistada graças à influência de seu sogro, que é um rico empresário de Manhattan. O comportamento de Pete não é bem visto por Don Draper, nem por Roger Sterling (John Slattery), um dos sócios da agência. Roger é um dos melhores amigos de Don, ele leva uma vida de excessos e hedonismo, regada a muita bebida e aventuras em casos extraconjugais, mas apesar de disso ele é respeitado por todos seus subordinados e admirado pela esposa, que aparentemente não desconfia de nada. Bertram Cooper (Robert Morse), outro dos sócios da empresa, é por vezes arrogante e autoritário, mas também é respeitado por ser o publicitário mais experiente da agência, ele adora dar lição de moral nos mais novos. Sua paranoia com a limpeza de sua sala (ele obriga a todos a tirarem os sapatos antes de entrar) chega a ser quase cômica em alguns momentos.

Joan Holloway (Christina Hendricks) é gerente de escritório na Sterling Copper, posição alcançada aparentemente graça aos “favores” que ela concede a Roger. Ela defende a total submissão das mulheres aos homens na empresa (ela parece aceitar a ideia absurda de que é inferior a eles tão somente por ser mulher) e abusa da posição de autoridade que tem em relação à Peggy e às demais garotas. Dentre os outros personagens do escritório estão o ítalo-americano Salvatore Romano (Bryan Batt), diretor de arte, Paul Kinsey (Michael Gladis), redator, Ken Cosgrove (Aaron Staton), executivo de contas e Harry Crane (Rich Sommer), comprador de mídia. Midge Daniels (Rosemarie DeWitt) e Rachel Menken (Maggie Siff) completam o grupo de personagens recorrentes na primeira temporada da série. Midge é amante de Don Draper, ela é uma artista plástica de personalidade controversa que se envolve com drogas e com a agitação que seria o embrião do movimento hippie. Rachel é uma empresária judia, cliente da Sterling Cooper, que também se envolve com Draper, seu personagem ilustra a desconfiança dos homens em relação a negócios administrados por mulheres e ainda o preconceito contra as minorias (neste caso os judeus).

O desenvolvimento de parte da primeira temporada de Mad Men é bem lento, o que pode fazer alguns espectadores desanimarem antes de chegar à melhor parte (confesso que quase aconteceu comigo), contudo quando menos se espera a série ganha outro ritmo, que então nos prende à sua trama de uma forma surpreendente. Ao chegar à segunda temporada é que se percebe que a lentidão da primeira foi necessária e digo mais, foi imprescindível. A falta de surpresas e de clímax nos primeiros capítulos (exceto no ótimo episódio piloto, que tem um desenvolvimento bem ágil) faz com que sejamos absolvidos pela “banalidade” daquela realidade a tal ponto que passamos a vê-la como algo normal e quase imutável (é o mesmo fenômeno que acontece conosco em relação à nossa rotina), até que de repente o mundo, o microcosmo da agência e consequentemente a trama viram de cabeça para baixo e as transformações começam a vir á tona, é só então que percebemos que algumas delas já estavam em andamento desde os primeiros capítulos. Por estarmos familiarizados ao contexto ao qual nos acostumamos, as mudanças se tornam mais ainda impactantes, desta forma conseguimos ter ao menos uma noção da dimensão real que cada uma delas teve historicamente.

A série tem alguns momentos que quase nos levam ao êxtase, tamanha beleza estética e qualidade técnica, cito como exemplo uma das sequências do décimo primeiro episódio da primeira temporada, que mostra um devaneio de Betty Draper ao som de “Água de Beber”, canção de Tom Jobim interpretada por Astrud Gilberto, passagem simplesmente perfeita! Outro aspecto interessante em Mad Men é a interação na trama entre fatos reais e ficção, é legal ver a forma com que acontecimentos históricos, como a disputa presidencial entre Kennedy e Nixon, a morte de Marylin Monroe e a “crise dos mísseis”, impactam na vida dos personagens e nos negócios da empresa. Legal também é ver as peças publicitárias criadas pela Sterling Cooper para empresas reais como American Air Lines, Gillette, Kodak e Lucky Strike (tal aspecto é um deleita para os profissionais de comunicação social). Como eu já disse, a reconstrução dos anos 60 na série é simplesmente perfeita, preste atenção nas locações, nos figurinos e principalmente na direção de arte. As atuações também são sublimes, nenhum dos atores deixam a desejar, Jon Hamm está simplesmente fantástico na pele do protagonista. Mad Men é uma das melhores séries da atualidade, que fez por merecer cada um dos diversos prêmios que já ganhou! Recomendo-a para todos sem restrições (principalmente para os profissionais de comunicação e publicidade)!

Mad Men já ganhou o Globo de Ouro nas categorias de Melhor Série Dramática (em 2008, 2009 e 2010) e Melhor Ator em Série Dramática (2008). A série também já foi vencedora do Emmy nas categorias de Melhor Série Dramática (2009, 2010 e 2011) e Melhor Elenco em Série Dramática (2010). Isso sem contar as diversas indicações recebidas em ambos as premiações.

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Rango

2012-02-01T10:24:00.000-02:00

Rango - 2011. Dirigido por Gore Verbinski. Escrito por John Logan, James Ward Byrkit e Gore Verbinski. Música Original de Hans Zimmer. Produzido por John B. Carls, Graham King e Gore Verbinski. Blind Wink Productions, GK Films e Nickelodeon Movies / EUA.

Rango (2011) é a primeira animação dirigida por Gore Verbinski, o cineasta por trás dos três primeiros filmes da franquia Piratas do Caribe, é também o primeiro filme animado feito com a tecnologia da Industrial Light & Magic, uma das maiores companhias de efeitos especiais da atualidade. A inexperiência no ramo, tanto de Verbinski, quanto da Industrial Light & Magic, é praticamente imperceptível. Desta parceria surgiu uma das animações mais maduras em termos de linguagem e de referências dos últimos tempos. É evidente que Rango não atinge o mesmo nível de excelência alcançado nos últimos anos por algumas das animações feitas pela Pixar, como Ratatouille (2007), Wall-E (2008) e Toy Story 3 (2010), contudo ele prova mais uma vez que produções do gênero podem ser ao mesmo tempo divertidas, criativas e inteligentes.

Rango reúne todos os atributos necessários a um bom filme de aventura: bons personagens, uma excelente trilha sonora e humor e ação na medida certa (combinação que Gore Verbinski já tinha provado ser bem sucedida com Piratas do Caribe), some a isso tudo uma história inteligente com várias referências a clássicos do western, gênero que o filme satiriza e desconstrói de forma espetacular. Rango é do tipo que agrada facilmente tanto crianças, quanto adultos. Apesar de não ter personagens bonitinhos, a história cativa os pequenos com suas ótimas cenas de ação e gags cômicas. Já os crescidinhos, principalmente os cinéfilos, se deliciarão ao identificar as inúmeras referências a outros filmes, referências estas que vão desde a trilha sonora, aos enquadramentos e até personagens.

Rango (voz de Johnny Depp), o personagem central, é um camaleão de estimação, que acaba perdido no deserto após um pequeno acidente. Ele, um aspirante a ator shakespeariano, está vivendo uma profunda crise de identidade, não sabe quem na verdade é e sequer tem um nome próprio. Após sobreviver aos perigos do deserto ele chega, como um forasteiro sem nome (uma referência à Trilogia dos Dólares de Sergio Leone), em uma “cidade” povoada por pequenas criaturas do deserto, chamada de Dirt. Ele assume então uma identidade que não corresponde a aquilo que ele realmente é, ele se passa por um justiceiro intrépido e violento e adota o nome de Rango em sua primeira interação com a população local. Dirt é assolada pela escassez da água e pela ameaça de bandidos violentos, não demora e os habitantes daquela castigada localidade passam a ver em Rango a personificação de uma última esperança.

Após um feito heroico, Rango é nomeado xerife pelo prefeito da cidade. É então que toda a população passa a ver nele a salvação pela qual tanto esperavam, eles acreditam que ele será capaz de protegê-los e de trazer a água de volta para a cidade. Rango, que se sente bem com toda a adulação que o povo lhe devota, investe tudo neste novo personagem que acabara de criar. Dentre os admiradores de Rango está Beans (ou Feijão na tradução - voz de Isla Fisher), ela é uma jovem solitária que luta para manter a posse da fazenda que fora de seu pai. Só mesmo quando todas as ameaças se tornam reais, Rango descobre que a única saída é deixar de lado o personagem e ser ele mesmo, ainda que para isso ele tenha que correr o risco de perder a admiração de todos. Toda a jornada do camaleão sem nome nesta típica vila do velho oeste é narrada na forma de canções por um trio de corujas mariachis (uma das melhores tiradas do filme), elas são um dos vários artifícios usados nas sátiras que o filme faz do faroeste como gênero.

Rango nos proporciona diversão da melhor qualidade, certamente o cinema atual estaria melhor se todos os filmes de aventura (não só as animações) alcançassem tal nível. A esperteza do roteiro está em atiçar o riso de forma inteligente e não com piadas chulas ou com tiradas já batidas. Os clichês do velho oeste, o bandido impiedoso, a donzela desamparada e a criança indefesa, no entanto estão lá para serem satirizados ou subvertidos, de forma sarcástica e muito bem humorada. Como eu disse, o filme está cheio de referências a outros clássicos do cinema, mas mesmo que você não as perceba ele funciona perfeitamente, não precisamos, por exemplo, saber quem na verdade é o “Espírito do Oeste” para compreender sua função na trama... Ao assistir ao filme, recomendo que você o faça com o áudio na versão original, pois a dublagem do personagem principal, feita por Depp é outro aspecto digno de destaque... Recomendo sem restrições!

Rango está indicado ao Oscar na categoria de Melhor Longa de Animação. No Globo de Ouro ele recebeu uma indicação na categoria de Melhor Animação, prêmio que perdeu para As Aventuras de Tintim (2011).

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O Homem que Mudou o Jogo

2012-01-30T19:24:00.000-02:00

O Homem que Mudou o Jogo (Moneyball) - 2011. Dirigido por Bennett Miller. Escrito por Steven Zaillian, Aaron Sorkin e Stan Chervin, baseado no livro de Michael Lewis. Direção de Fotografia de Wally Pfister. Música Original de Mychael Danna. Produzido por Michael De Luca, Rachael Horovitz e Brad Pitt. Columbia Pictures / EUA.

O Homem que Mudou o Hoje (2011) estreou no Brasil já com um desafio, ele precisava conquistar um público que tem pouca, ou nenhuma, afinidade com o esporte em torno do qual sua trama gira, o baseball. Eu, como a maioria dos brasileiros, tenho pouquíssimo conhecimento acerca do esporte e suas regras, mas surpreendentemente isso não impede que o filme funcione tal como deve. Reconheço que o efeito provocado por ele possa até ser bem maior naqueles que acompanham as ligas e conhecem os jogadores, mas tenho dúvidas se isto seria para o seu resultado final um fator positivo ou negativo, falarei sobre isso adiante. De fato, o filme funciona sem tantas dificuldades porque a essência de sua temática, ao contrário do baseball, não nos é estranha. A verdade é que ele não passa de mais um filme sobre superação, baseado em fatos reais. Por mais que o positivismo deste tipo de produção já esteja manjado, ele ainda não está completamente saturado. O público parece frequentemente buscar obras cujos personagens lhes sirvam de inspiração, como modelos de persistência e perseverança.

O longa de Bennett Miller reza pela mesma cartilha que filmes como À Procura da Felicidade (2006) e Julie e Julia (2009), a fórmula usada é bem simples e praticamente invariável: o personagem central está desacreditado e sem expectativas, até que encontra uma solução para seus problemas, porém tal solução não é levada a serio por todos os amigos e familiares, no entanto eles persistem. Eles até chegam a pensar em desistir em alguns momentos, mas se mantêm firmes até que conseguem realizar os feitos que lhes tornaram notáveis. Geralmente a realização de tais feitos compensa todo o esforço e o desgaste do caminho trilhado até o topo... O Homem que Mudou o Jogo tem um roteiro linear sem tantos complicativos, sua trama é relativamente simples e ele convence facilmente boa parte do público com a ideia de que com persistência todos os sonhos podem ser realizados. É um filme redondinho, com arestas bem aparadas, cuja história é moldada de tal forma que cause mais comoção do que desconforto. Pois é, se trata de mais um filme feito nos moldes para cativar o público e a crítica e assim angariar prêmios...

O filme conta a história, inspirada em fatos reais do ex-jogador de baseball, Billy Beane (Brad Pitt), ele é o administrador do Oakland A´s, time tradicional que no final de 2001 amargava uma série de derrotas e o último lugar na tabela do campeonato nacional, a situação que já não estava boa é ainda agravada pela falta de investimentos, que impede o time de negociar novos jogadores e ainda dificulta a manutenção dos atuais na equipe. Billy tenta fazer algo para mudar a situação, porém a falta de recursos lhe deixa de mãos atadas. Quando já está desacreditado pela equipe e pelos dirigentes, Billy conhece Peter Brand (Jonah Hill), um jovem economista formado em Yale, que garante que o baseball pode ser compreendido através de complexas fórmulas matemáticas, capazes de ajudar na formação das equipes e consequentemente na previsão de resultados. O administrador decide então apostar todas as suas fichas nesta idéia que poderia revolucionar a forma de pensar o esporte.

Billy contrata Peter como seu assistente e adota o modelo de administração proposto por ele. A parceria entre eles começa a causar controvérsias, quando eles fazem a contratação de jogadores problemáticos, porém baratos, que nenhum outro time tinha tido a ousadia de contratar. O pressuposto era de que com a escalação certa tais jogadores poderiam atuar em seus potenciais máximos, compondo assim uma equipe quase perfeita, tudo uma mera questão de números... As medidas que Billy toma, sob o aconselhamento de Peter, não são bem aceitas pelo técnico Art Howe (Philip Seymour Hoffman), que se considera o único responsável pela escalação, tanto ele quanto os dirigentes do time enxergam os novos métodos adotados como loucura. O descrédito e o aparente insucesso de seu novo modelo de gestão quase fazem o administrador desistir, mas ele busca em seu passado como jogador e no amor da filha os fatores de motivação capazes de lhe manter firme em seu propósito...

No início desta resenha, eu disse que aquela parte do público que conhece e tem paixão pelo baseball poderia ter tanto reações positivas quanto negativas ao filme, agora explico: O Homem que Mudou o Jogo desconstrói parte do aspecto lúdico do baseball, resumindo-o a um mero resultado de cálculos matemáticos. A racionalização do esporte, reforçada pelas teorias seguidas por Peter, é sem dúvidas um fator negativo, uma vez que ela contraria a ideia romantizada de que os resultados das partidas seriam definidos, não por questões lógicas, mas pelo talento de alguns poucos jogadores e por suas respectivas performances (ideia esta defendida pelos homens de negócios envolvidos com o esporte). Contudo, a verdade é que boa parte deste público terá sim reações positivas, pois provavelmente eles não farão tal leitura do filme, eles se contentarão em ver de forma superficial a dramatização que envolve um time nacionalmente conhecido (nos Estados Unidos) e seus jogadores.

Para nosotros, leigos no que tange ao baseball e suas regras, a desmistificação do esporte que mencionei acima faz pouca diferença, uma vez que independente dela o filme cumpre aquilo a que se propõe. O Homem que Mudou o Jogo desempenha bem o seu papel, que é tão somente o de ser um filme leve, facilmente digerível e motivador, qualquer conotação que vá além destas será, para mim, superestimação... As atuações do filme, principalmente as do elenco principal, são muito boas, porém sem nada de sobrenatural. Brad Pitt está bem, mas já esteve muito melhor em outros filmes, Jonah Hill também está bem, mas não cativa e pouco chama a atenção e Philip Seymour Hoffman poderia estar bem melhor se seu personagem tivesse maior destaque na trama (ele surpreende apenas pela excelente caracterização, que prova mais uma vez o quanto ele é um ator versátil). O roteiro do filme é bem escrito, o que torna seu desenvolvimento ágil e agradável a qualquer público, porém o excesso de clichês acaba o prejudicando. A minha conclusão, é a de que O Homem que Mudou o Jogo é sim um filme bom, mas sem nada de especial que o torne indispensável. Contudo, vale à pena assisti-lo, principalmente se você estiver buscando qualquer tipo de motivação!

O Homem que Mudou o Jogo está indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Filme, Ator (Brad Pitt), Ator Coadjuvante (Jonah Hill), Roteiro Adaptado, Montagem e Mixagem de Som. No Globo de Ouro, o filme foi indicado nas categorias de Melhor Filme - Drama, Melhor Ator - Drama, Melhor Ator Coadjuvante (Jonah Hill) e Melhor Roteiro.

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Confiram aqui no Sublime Irrealidade a resenha de Capote, também dirigido por Bennett Miller.

Vencedores do SAG Awards 2012

2012-01-30T09:00:00.000-02:00

O Sindicato de Atores de Hollywood promoveu na noite de ontem (29/01) a entrega do Screen Actors Guild Awards (SAG). A premiação é considerada um dos principais termômetros do Oscar, uma vez que muitos membros do Sindicato também são votantes na premiação entregue pela Academia.

Confiram abaixo a lista dos vencedores:

PRÊMIOS DE CINEMA

Melhor Elenco: Histórias Cruzadas

Melhor Ator: Jean Dujardin por O Artista

Melhor Atriz: Viola Davis por Histórias Cruzadas

Melhor Ator Coadjuvante: Christopher Plummer por Toda Forma de Amor

Melhor Atriz Coadjuvante: Octavia Spencer por Histórias Cruzadas

Melhor Elenco de Dublês: Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte II

PRÊMIOS DE TELEVISÃO

Melhor Elenco em Série Dramática: Boardwalk Empire

Melhor Elenco em Série Cômica: Modern Family

Melhor Ator em Série Dramática: Steve Buscemi por Boardwalk Empire

Melhor Atriz em Série Dramática: Jessica Lange por American Horror Story

Melhor Ator em Série Cômica: Alec Baldwin por 30 Rock

Melhor Atriz em Série Cômica: Betty White por Hot in Cleveland

Melhor Ator em Minissérie ou Telefilme: Paul Giamatti - Too Big to Fail

Melhor Atriz em Minissérie ou Telefilme: Kate Winslet - Mildred Pierce

Melhor Elenco de Dublês em Série: Game of Thrones

O Artista

2012-01-28T18:18:00.000-02:00

O Artista (The Artist) - 2011. Escrito e dirigido por Michel Hazanavicius. Direção de Fotografia de Guillaume Schiffman. Música Original de Ludovic Bource. Produzido por Thomas Langmann e Emmanuel Montamat. La Petite Reine, La Classe Américaine, JD Prod, France 3 Cinéma, Jouror Productions e uFilm / França|Bélgica.

Desde o advento do cinematógrafo, no final do século XIX, o cinema passou por diversas revoluções no que diz respeito á técnica e à narrativa. Uma das transformações mais radicais aconteceu na segunda metade dos anos 20 do século passado, com a chegada do som. Em 1929 praticamente todos os filmes rodados em Hollywood já eram falados, alguns poucos cineastas tentaram se manter de forma independente no antigo formato, como Charlie Chaplin que ainda lançaria os mudos Luzes da Cidade (1931) e Tempos Modernos (1936). Outros como Buster Keaton não se adaptaram e suas carreiras entraram em declínio a partir de então. Tal transição aconteceu durante um período extremamente duro, não só para cineastas e produtores, afinal eram tempos de crise (em 1929 acontecera o crack da Bolsa de Valores de Nova Iorque), aqueles que não se rendessem à nova tecnologia estariam condenados à falência e ao ostracismo, afinal mais do que nunca a indústria não enxergava o talento ou a arte e sim o lucro que eles eram capazes de produzir. Se a moda era o som, os “mudos” que se adaptassem...

O Artista (2011), o elogiado longa de Michel Hazanavicious, resgata em sua trama a magia do cinema dos anos 20, retratando de forma simples e bela este período de transição tecnológica que também já foi abordado em obras primas como Crepúsculo dos Deuses (1950) e Cantando na Chuva (1952). Hazanavicious reverencia as produções e os artistas de outrora nesta que é a mais bela homenagem ao cinema clássico que assisto desde Cinema Paradiso (1988) de Tornatore e Os Sonhadores (2003) de Bertolucci, ele parece ter embarcado na mesma onda nostálgica que também inspirou recentemente Woody Allen e Martin Scorssese, porém, diferente dos outros filmes que já prestaram homenagem a esta ou a outra época e de outras películas “saudosistas”, em o O Artista a reverência ao passado não está apenas na temática, mas também na parte técnica do filme. Em plena era do 3D, do IMAX e do motion capture, Hazanavicious nos surpreende com um filme mudo e fotografado em preto e branco.

A ousadia estética de O Artista foi ovacionada pela crítica especializada e por alguns cinéfilos, no entanto parte do público não entendeu a proposta, alguns mais radicais chegaram a pedir o dinheiro de volta na bilheteria do cinema após descobrirem (!) que o filme estava em um formato tido como retrógrado. Apesar de ter uma história simples e cativante, eu não creio que o filme realmente seja de fácil assimilação por parte do grande público. Certamente amantes do cinema clássico e aqueles que já estão familiarizados com filmes neste formato irão se deleitar, afinal não é sempre que vemos uma homenagem tão sincera e tão bem feita a toda uma época. Por esta perspectiva, O Artista soa como um grande obrigado, um reconhecimento tardio, a tantos nomes e carreiras que foram desfeitos em nome da inovação... Se existe um fio de melancolia na trama, ele se dá quando enxergamos no drama do personagem principal a história real de tantos artistas fenomenais cuja obra não foi capaz de sobreviver diante das imposições da indústria do entretenimento...

Em O Artista, George Valentino (Jean Dujardin) é um ator de Hollywood que está no auge de sua carreira, ele é adorado pela crítica, pelos fãs e principalmente pelas mulheres (o nome do personagem é uma clara referência à Rodolfo Valentino, aquele que talvez tenha sido o maior galã do cinema americano nos anos 20). Porém o advento do cinema falado de uma hora para outra transforma Valentino e um símbolo do passado, ele passa a ser ignorado pelos produtores e sua carreira entra em declínio, ele tenta produzir filmes mudos de forma independente, porém sem nenhum sucesso. Paralelamente à sua decadência, o filme mostra a ascensão de Peppy Miller (Bérénice Bejo), uma jovem e bela atriz que George tinha ajudado a ingressar em Hollywood. Com um rostinho lindo e uma bela voz, Pappy parecia predestinada à fazer parte do novo, a brilhar no cinema falado, enquanto seu benfeitor amargava o ostracismo... No decorrer da trama, George terá que lutar contra seu orgulho para assim se redescobrir e provar para os magnatas da indústria cinematográfica que ainda tem talento e é capaz de inovar...

O ritmo de O Artista e a sua qualidade técnica o distancia dos filmes produzidos na época a qual ele se propõe a homenagear, ele também não tem a “áurea” característica das produções de outrora, mas isso não o impede de cumprir sua proposta. Ele consegue ser nostálgico sem com isso deixar de ser atual. Talvez a maior contradição atrelada à sua produção seja a de que ele foi considerado inovador por resgatar algo que há mais de 80 anos foi tido como retrógrado, mas isso não é tão difícil de ser compreendido, uma vez que no filme uma fórmula antiga é desconstruída para ganhar assim uma nova roupagem. Hazanavicious parece brincar o tempo todo com a idéia de que este é um filme mudo; preste atenção na primeira sequência, que mostra um personagem de um filme dentro do filme sendo torturado para falar (é uma alegoria da trama que se desenrolará a seguir), e também na última... Em diversos momentos parece que o som irá simplesmente escapar das palmas, dos objetos cenográficos ou da boca dos personagens, é desta forma que o cineasta nos lembra que estamos diante de um filme alegórico e do quanto estamos condicionados ao formato ao qual nos acostumados.

O Artista tem uma excelente trilha sonora, que preenche os “vazios” deixados pela ausência dos diálogos e ainda evoca as produções dos anos 20, cujas músicas eram interpretadas ao vivo dentro das salas de exibição. A direção de arte, a cenografia e os figurinos são sublimes, eles tornam a reconstrução de época quase irrepreensível. Contudo, são as atuações o aspecto que mais se destaca, o elenco secundário faz bonito, dando uma aula de interpretação corporal; Jean Dujardin e Bérénice Bejo simplesmente brilham, ambos merecem aplausos de pé por suas respectivas interpretações, eles transitam com agilidade por situações cômicas e dramáticas, emprestando aos seus personagens sensações e sentimentos que dificilmente uma fala seria capaz de proporcionar... E eles ainda dançam! O cachorrinho, inseparável do personagem de Dujardin no filme, fornece à história o elemento lúdico que remete à inocência do cinema antigo, apesar de eu não concordar com o uso de animais no cinema, tenho que reconhecer que algumas das cenas que ele protagoniza são ótimas. O Artista é um filme indispensável, principalmente para os verdadeiros amantes do cinema! Ultra recomendado!

O Artista está indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Filme, Diretor, Roteiro Original, Ator (Jean Dujardin), Atriz Coadjuvante (Berenice Bejo), Trilha Sonora Original, Fotografia, Figurino, Direção de Arte e Montagem. No Globo de Ouro o filme venceu nas categorias de Melhor Filme – Comédia ou Musical, Ator de Comédia (Jean Dujardin) e Música Original, tendo sido indicado ainda nas categorias de Melhor Diretor, Atriz Coadjuvante (Berenice Bejo), Roteiro e Trilha Sonora. O Artista ainda ganhou o prêmio de Melhor Ator (Jean Dujardin) em sua estreia no Festival de Cannes!

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A Separação

2012-01-25T23:54:00.000-02:00

A Separação (Jodaeiye Nader az Simin) - 2011. Escrito, dirigido e produzido por Asghar Farhadi. Direção de Fotografia de Mahmoud Kalari. Música Original de Sattar Oraki. Asghar Farhadi / Irã.

Sempre defendi que na análise de um filme, ou de qualquer outra obra de arte, é preciso contextualizar, é necessário desvendar as condições nas quais ele foi produzido e de que forma ele interage com tais condições; é natural que não seja possível explorar com profundidade todos os vieses deste contexto em uma resenha crítica, no entanto eles são necessários para que a compreensão da obra analisada não seja em nenhum momento prejudicada. Quando analisamos um filme nacional, ou até mesmo o de alguns outros países do ocidente, alguns pontos contextuais podem ser subtraídos do texto uma vez que nós já conhecemos o contexto pela nossa própria vivência, por outro lado, quando se trata de um filme produzido em um país de contexto cultural diferente do nosso, tais pontos não devem ser omitidos.

Embora A Separação (2011) não seja um filme abertamente político, ele reflete claramente em seu roteiro a atual situação política e social do Irã, país no qual ele foi realizado. O longa estreou em janeiro do ano passado no Festival de Berlin, onde foi premiado com o Urso de Ouro, o prêmio máximo do festival e dois Ursos de Prata, um pelo desempenho do elenco masculino (Peyman Moadi, Babak Karimi e Ali Asghar), outro pelo elenco feminino (Sareh Bayat e Sarina Farhadi). Coincidência ou não, nesta mesma edição do festival, uma das cadeiras do juri estava vazia, era aquela que tinha sido reserva para o cineasta, também iraniano, Jafar Panahi, ele não compareceu pois tinha sido preso e proibido de filmar pelo regime ditatorial de Mahmoud Ahmadinejad, a cadeira estava vazia em sinal de protesto...

É este peso, vindo do contexto no qual foi produzido, que torna A Separação ainda mais opressivo e contundente, seu roteiro, muito bem escrito, expõe de forma quase velada (para não ser apontado como subversivo), a fragilidade do sistema judiciário do país, o abismo existente entre as classes sociais e a falta de expectativas em relação ao futuro, situações que levam alguns a sonhar em deixar o país. Tal como em A Canção dos Pardais (2008) de Majid Majidi, neste filme o diretor Asghar Farhadi entrega nas mãos das crianças e dos jovens o poder de sonhar e de acreditar que um mundo melhor seja possível, no filme as duas personagens não-adultas padecem frente à situação de suas respectivas famílias, elas sofrem sem reclamar, uma delas até se impõem uma condição de sofrimento para tentar salvar aquilo que valoriza, curiosamente são elas as únicas capazes de olhar para as tribulações de suas vidas sem alimentar rancores ou se renderem ao desespero. Toda a esperança que as duas simbolizam está condensada em uma sutil troca de olhares compassivos entre elas perto do final do filme (numa das cenas mais brilhantes do longa), nesta sequência é como se uma estivesse dizendo para outra “eu compreendo o que você está sentindo e isto talvez um dia possa ser mudado”...

A separação que dá o título ao filme é praticamente consumada na primeira sequência, Simin (Leila Hatami) e Nader (Peyman Moadi) estão diante de um juiz e esclarecem a ele o porquê de estarem ali. Simin teme a atual situação do país e quer mudar junto com a filha para o exterior, Nader se recusa a mudar por causa de seu pai senil, que tem Alzheimer e está incapacitado de viver sem o apoio de um familiar. Sem ver alternativa, a mulher pede o divórcio para assim poder deixar o Irã, o marido, também impassível em sua decisão, acaba cedendo a contra gosto e assina a papelada da separação. É então que surge o primeiro dos problemas subsequentes, a questão da guarda da filha de 11 anos, Termeh (Sarina Farhadi). A garota escolhe ficar provisoriamente com o pai e o avô doente até que seja dada uma decisão judicial definitiva. Após ser abandonado pela esposa, Nader se mete em uma série de graves problemas, nos quais estão envolvidos a empregada que ele contratou para cuidar de seu pai, Razieh (Sareh Bayat), o marido dela, Hodjat (Shahab Hosseini) e a filha de seis anos Somayeh (Kimia Hosseini).

Quase toda a trama se desenrola em um tribunal de Teerã, a falta de perdão agrava ainda mais a situação trágica na qual os personagens se meteram. Apesar do comportamento reprovável de alguns deles, não tem como apontar quem são os “bons” e quem são os “maus”, pois são todos humanos, são todos dotados de imperfeições, que, mesmo não sendo justificadas, são ao menos explicadas pelo contexto duro em que vivem. Os personagens evocam em nós expectadores mais compaixão que reprovação, eles parecem estar cegos em relação ao sofrimento alheio e por isso se tornam egoístas e individualistas, contudo não podem ser julgados como pessoas de má índole, pois cometeram apenas erros banais que os levaram, a contra gosto, a erros bem maiores... A falta de diálogo e de compreensão os torna ainda mais arredios e distantes, eles são incapazes de perdoar, pois em algum momento eles também não receberam o perdão...

Ambas as famílias começam a ser destruídas pela sequência de acontecimentos trágicos na qual estão envolvidas, elas recorrem à lei para terem assegurados os seus direitos e seus problemas resolvidos, no entanto o judiciário se mostra cada vez mais incapaz de lhes oferecer uma solução plausível e adequada às duas partes, em um dos momentos um dos personagens conclui: “A lei não pondera!”, de fato ela é desumanizada e arbitrária por estar concentrada apenas nas mãos de um único homem, que decide baseado em frágeis informações como depoimentos contraditórios de ambas as partes... Mas não é só o poder judiciário do país que tem sua fragilidade apontada pelo filme, na trama a família, como instituição, também se mostra incapaz de se sustentar e resolver seus próprios dilemas, a religiosidade exercida por uma das personagens é baseada em aconselhamentos e orientações superficiais, dadas até mesmo por telefone (uma das personagens consulta em um call center se uma atitude sua seria ou não um pecado), o que denota também a inconsistência das instituições religiosas.

A Separação é, sem nenhuma sombra de dúvida, um dos melhores filmes de 2011, seu excelente roteiro consegue manter um clima de tensão durante quase todo o desenrolar da trama, sem para isso precisar se valer dos mesmos clichês e artifícios usados pelos hollywoodianos. Neste filme não tem espetáculo, nem entretenimento, tão pouco efeitos especiais, seu principal atrativo é a visão perspicaz que ele nos proporciona sobre uma realidade tão diferente da nossa em alguns pontos e tão semelhante em outros. A Separação impacta não por mostrar um “outro mundo”, mas sim pelo seu humanismo, que nos prova que independente da cultuara, as nossas fraquezas e limitações são as mesmas, pois, tal como os personagens, nós também caminhamos como sociedade, á palpadelas, em direção de algo que acreditamos ser o melhor e neste caminho erros serão inevitáveis e nem sempre nós saberemos lidar com eles... Ao assistir ao filme, preste atenção nas atuações, na forma com que cada ator parece realmente viver o drama de seus personagens; preste atenção também nos closes, pois eles dizem muito sobre a complexa ebulição de sentimentos que filme explora e também proporciona... Ultra Recomendado!

Além dos prêmios citados acima no texto, ganhos no Festival de Berlin, A Separação ainda ganhou o Globo de Ouro de Melhor Filme Estrangeiro e está indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Filme Estrangeiro e Melhor Roteiro Original.

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Tudo Pelo Poder

2012-01-24T18:07:00.002-02:00

Tudo Pelo Poder (The Ides of March) - 2011. Dirigido por George Clooney. Escrito por George Clooney, Grant Heslov e Beau Willimon, baseado na peça “Farragut North” de Beau Willimon. Direção de Fotografia de Phedon Papamichael. Música Original de Alexandre Desplat. Produzido por George Clooney, Grant Heslov e Brian Oliver. Cross Creek Pictures / USA.

Alguns filmes conseguem reproduzir pensamentos e sentimentos experimentados pela consciência coletiva em determinados momentos históricos, como tal eles são capazes de ajudar a sociedade a ver um espelho de si mesma e assim se autoanalisar com uma maior precisão. Tal fenômeno se torna ainda mais forte quando o período histórico abordado é o atual, pois, ainda que o filme não seja capaz de fornecer uma análise aprofundada e precisa, ele consegue ao menos provocar o desconforto da sociedade que se vê retratada nele. Este é o caso de Tudo Pelo Poder (2011), o quarto filme dirigido por George Clooney, cuja trama mostra o desenvolvimento de uma fictícia campanha eleitoral para a presidência dos Estados Unidos. A decepção dos americanos com o governo de Barack Obama parece ressonar por toda o desenvolvimento da história, que retrata tão bem o atual panorama de descrédito na política. Como que imitando a realidade, o roteiro do filme flui do mais ingênuo idealismo (quem não se lembra da posse de Obama?) para a mais completa descrença no jogo político.

Tudo Pelo Poder não é uma crítica aos Democratas (partido de Obama), tão pouco aos Republicanos, seus opositores. Ele funciona mais como uma triste constatação de que a ideologia, por mais sincera e nobre que ela seja, não é capaz de prevalecer diante do jogo de concessões a alianças necessário à obtenção do poder. De uma forma quase ingênua, o filme trabalha a perplexidade motivada pela "descoberta" de que a política partidária e consequentemente o modelo de democracia representativa são falhos. De uma forma brilhante, o longa mostra que a desonestidade e o descompromisso diante dos ideais defendidos não é exclusividade apenas de um dos partidos, ambos estariam degenerados pela corrupção de seus respectivos representantes. A postura do filme se torna ainda mais pessimista quando ele mostra que mesmo alguém bem intencionado pode acabar se sucumbindo diante dos conflitos éticos inerentes ao “jogo”...

Em Tudo Pelo Poder, Stephen Myers (Ryan Gosling) é um diretor de comunicação idealista que trabalha de forma engajada na campanha presidencial do governador Mike Morris (George Clooney). As pesquisas em cada um dos estados, onde acontecem as prévias da eleição, eram desanimadoras para Morris e sua equipe, a esperança era conseguir o apoio dos delegados do estado de Ohio, apoio este que seria estratégico para sua vitória... [O processo eleitoral nos Estados Unidos acontece de forma diferente da do Brasil, lá o presidente é escolhido por um colégio eleitoral formado por delegados escolhidos pelo povo. Cada estado tem direito de nomear um certo número de delegados. A vitória em um determinado estado é decisiva, pois, independente da margem percentual de aprovação, o número total de delegados daquele estado conta na apuração final em favor do candidato que ali foi vencedor, sendo assim um estado com maior número de delegados tem mais peso que outro com um número menor, ainda que neste o percentual de aprovação tenha sido maior... complicado não?]

Myers realmente acredita na proposta do candidato e o vê como o único homem realmente habilitado para o "cargo mais cobiçado do mundo", seu idealismo chega a nos parecer estranho, uma vez que ele diz já ter trabalho em diversas outras campanhas e também por ele conhecer como ninguém a realidade suja da política partidária. A impressão que a trama nos passa é a de que Morris representa a sua última esperança na política e isso explica a sua total dedicação à promoção das propostas e dos ideais do candidato. A confiança de Myers começa a ser quebrada quando ele descobre um escândalo envolvendo Morris e uma jovem estagiária que trabalha em sua campanha (Evan Rachel Wood), é a partir de então que ele passa a ter uma noção precisa de que a corrida presidencial é tão somente um jogo e nada mais que isso, um jogo onde um único erro pode representar a derrota, o descrédito e a completa decadência profissional.

O dilema ético experimentado por Myers na história exemplifica bem a forma com que os jogos do poder são capazes de corromper com relativa facilidade qualquer um que se envolva com eles. Na trama, o personagem terá que fazer escolhas, optar por aquilo que é mais importante para si, diante de tais decisões o seu idealismo já fragilizado poderá não ser estruturado o suficiente para se sustentar... A inconstância da postura de Myers e a fragilidade de seus ideais representam muito bem os já citados pensamentos e sentimentos experimentados pela atual consciência coletiva do país... Como não ver em Morris uma representação de Obama e em Myers uma alegoria do próprio povo americano? A postura negativa e dura do filme em relação à decadência da democracia representativa dos Estados Unidos é de fato um de seus melhores aspectos, mas o filme vale a pena ser visto não só por isso...

Ryan Gosling está muito bem no filme (apesar de eu considerar sua atuação em Drive (2011) bem melhor), ele dá consistência e credibilidade a cada uma das emoções de seu personagem e sua presença de cena é incrível. George Clooney, Philip Seymour Hoffman (que interpreta um dos acessores de Morris), Paul Giamatti (o diretor de comunicação do candidato da oposição), Marisa Tomei (que vive uma jornalista) e Evan Rachel Wood também estão muito bem. A competência do elenco aliada à direção precisa de Clooney e ao roteiro bem escrito dão a Tudo Pelo Poder os requisitos necessários para que ele seja considerado um dos melhores filmes do ano passado. Ele merece ser visto e acima de tudo refletido, pois a situação exposta pelo seu roteiro infelizmente não é uma exclusividade dos americaos, nós a conhecemos bem, talvez até melhor que eles... Ultra recomendado!

Tudo Pelo Poder está indicado ao Oscar na categoria de Melhor Roteiro Adaptado. No Globo de Ouro, o filme foi indicado nas categorias de Melhor Filme - Drama, Melhor Diretor, Melhor Ator - Drama (Ryan Gosling), e Melhor Roteiro.

Assistam ao trailer de Tudo Pelo Poder no You Tube, clique AQUI !

Indicados ao Oscar 2012

2012-01-24T12:56:00.001-02:00

Saiu esta manhã a lista de indicados ao Oscar 2012, como de costume a Academia fez justiça a alguns nomes, surpreendeu em algumas indicações e cometeu erros terríveis! Gostei de ver a presença de A Árvore da Vida na relação, com 3 indicações o filme tinha sido ignorado em várias outras premiações. A indicação de Carlinhos Brown na categoria de Melhor Canção por Rio foi uma das maiores surpresas... Mas, novamente erros terríveis foram cometidos, Kung Fu Panda 2 e Gato de Botas foram indicados ao Oscar de Melhor Animação ao invés de As Aventuras de Tintim. Drive, um dos melhores filmes do ano, recebeu apenas uma indicação à uma categoria técnica, e pasmem, Leonardo DiCaprio e Michael Fassbender não foram indicados... A cerimônia de entrega do Oscar acontece em Los Angeles, no Teatro Kodak, no dia 26 de fevereiro. Confira abaixo a lista completa dos indicados:

Melhor Filme

O Homem que Mudou o Jogo

A Invenção de Hugo Cabret

Cavalo de Guerra

A Árvore da Vida

Tão Forte e Tão Perto

Melhor Diretor

Woody Allen - Meia Noite em Paris

Michael Hazavicius - O Artista

Alexander Payne - Os Descendentes

Martin Scorsese - A Invenção de Hugo Cabret

Terrence Malick - A Árvore da Vida

Melhor Ator

Jean Dujardin - O Artista

George Clooney - Os Descendentes

Gary Oldman - O Espião que Sabia Demais

Brad Pitt - O Homem que Mudou o Jogo

Demian Bichir - A Better Life

Melhor Atriz

Meryl Streep - A Dama de Ferro

Glenn Close - Albert Nobbs

Viola Davis - Histórias Cruzadas

Rooney Mara - Millennium - Os Homens Que Não Amavam as Mulheres

Michelle Williams - Sete Dias com Marilyn

Melhor Ator Coadjuvante

Kenneth Branagh - Sete Dias com Marilyn

Max Von Sydow - Tão Forte e Tão Perto

Jonah Hill - O Homem que Mudou o Jogo

Christopher Plummer - Toda Forma de Amor

Nick Nolte - Guerreiro

Melhor Atriz Coadjuvante

Octavia Spencer - Histórias Cruzadas

Janet McTeer - Albert Nobbs

Berenice Bejo - O Artista

Jessica Chastain - Histórias Cruzadas

Melissa McCarthy - Missão Madrinha de Casamento

Melhor Roteiro Original

Meia Noite em Paris

O Artista

Margin Call - O Dia Antes do Fim

Missão Madrinha de Casamento

A Separação

Melhor Roteiro Adaptado

A Invenção de Hugo Cabret

Os Descendentes

Tudo Pelo Poder

O Homem que Mudou o Jogo

O Espião que Sabia Demais

Melhor Filme Estrangeiro

A Separação (Irã)

Bullhead (Bélgica)

Monsieur Lazhar (Canadá)

Footnote (Israel)

In Darkness (Polônia)

Melhor Longa de Animação

Rango

Gato de Botas

Um Gato em Paris

Kung Fu Panda 2

Chico & Rita

Melhor Trilha Sonora Original

As Aventuras de Tintim

O Artista

O Espião que Sabia Demais

A Invenção de Hugo Cabret

Cavalo de Guerra

Melhor Canção Original

"Man or Muppet" - Os Muppets

"Real in Rio" - Rio

Melhores Efeitos Visuais

Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 2

A Invenção de Hugo Cabret

Gigantes de Aço

Planeta dos Macacos - A Origem

Transformers: O Lado Oculto da Lua

Melhor Maquiagem

Albert Nobbs

Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 2

A Dama de Ferro

Melhor Fotografia

Millennium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres

O Artista

A Invenção de Hugo Cabret

A Árvore da Vida

Cavalo de Guerra

Melhor Figurino

Anônimo

O Artista

A Invenção de Hugo Cabret

Jane Eyre

W.E. - O Romance do Século

Melhor Direção de Arte

O Artista

Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 2

A Invenção de Hugo Cabret

Cavalo de Guerra

Melhor Documentário

Hell and Back Again

If a Tree Falls

Paradise Lost 3: Purgatory

Pina

Undefeated

Melhor Documentário de Curta-Metragem

God is the Bigger Elvis

The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement

Incident in New Baghdad

Saving Face

The Tsunami and the Cherry

Blossom

Melhor Montagem

Os Descendentes

O Artista

Millennium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres

O Homem Que Mudou o Jogo

A Invenção de Hugo Cabret

Melhor Curta

Pentecost

Raju

The Shore

Time Freak

Tuba Atlantic

Melhor Curta Animado

Dimanche

The Fantastic Flying Books of Mister Morris Lessmore

La Luna

A Morning Stroll

Wild Life

Melhor Edição de Som

Drive

Millennium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres

Cavalo de Guerra

A Invenção de Hugo Cabret

Transformers: O Lado Oculto da Lua

Melhor Mixagem de Som

Millennium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres

Cavalo de Guerra

A Invenção de Hugo Cabret

Transformers: O Lado Oculto da Lua

O Homem Que Mudou o Jogo

Cirque du Soleil - Varekai

2012-01-22T15:49:00.000-02:00

Varekai – Escrito e Dirigido por Dominic Champagne. Cenário de Stéphane Roy. Figurino de Eiko Ishioka. Música composta e conduzida por Violaine Corradi. Coreógrafos Michael Montanaro e Bill Shannon. Designer de Montagm Jaque Paquin. Iluminação de Nol Van Genuchten e Luc Lafortune. Som de Fronçois Bergeron. Desigener de Produções Francis Laporte. Guia Guy Laliberté. Diretor de Arte Andrw Watson. Espetáculo apresentado em Belo Horizonte em 21 de janeiro de 2012.

Realizei na noite de ontem um dos sonhos que cultivava desde menino, assisti a um dos mais belos espetáculos de minha vida: Varekai, uma das montagens itinerantes do Cirque du Soleil. Quando uma amiga me convidou para ir, ainda em setembro do ano passado, eu sequer cheguei a ponderar sobre a minha disponibilidade no mês de janeiro (eu ainda não sabia que estaria de férias), ou se eu teria dinheiro para a viagem e para o ingresso, eu apenas sabia que queria ir, na verdade eu tinha que ir, afinal oportunidades de termos sonhos realizados não podem ser perdidas! Comprei o pacote e passei quase cinco meses me corroendo de ansiedade para que este dia chegasse, por diversos momentos alguns problemas quase me fizeram abrir da viagem, mas felizmente tudo se resolveu... A tenda estava armada em Belo Horizonte, que fica cerca de 280 quilômetros distante de Ubá, a minha cidade, saímos daqui por volta de meio-dia, fomos em uma excursão organizada por uma agência de viagens local. Das cerca de quarenta pessoas que foram, apenas três já tinham assistido ao vivo a alguma das montagens anteriores do circo, mas mesmo para estas a expectativa era a melhor possível, afinal cada encenação da trupe é considerada uma experiência única, transcendente e indescritivelmente bela.

Chegamos em BH e aproveitamos o tempo livre até o início do espetáculo, que começaria às nove da noite, para passarmos no shopping (mais uma vez não contive meu consumismo e comprei 5 livros e um DVD). Conforme combinado, nos encontramos às oito horas no estacionamento do shopping e de lá fomos em direção ao local do espetáculo e foi aí que veio o susto. Descobrimos tarde demais que apenas uma hora poderia não ser o suficiente para chegar a tempo à tenda, pegamos um enorme engarrafamento e o motorista, na tentativa de pegar um atalho, acabou se perdendo (ele não admitiu isso)... Eu simplesmente gelei, era a realização do meu sonho que estava em risco. Faltavam cinco minutos para as nove horas, o transito não andava, alguém então comentou que após o início do espetáculo, que começaria estritamente em cima do horário, ninguém entraria ou sairia da tenda principal até o fim da primeira parte (são duas partes de uma hora cada), a possibilidade de perder metade do show aparentemente me assustava como a nenhum outro no ônibus... Mas, como que por milagre, de uma hora para outra o trânsito fluiu, conseguimos chegar! Foi como se estivessem nos esperando, pois acabamos de entrar, nos assentamos, e as luzes se apagaram...

Varekai, que estreou em 2002, é definido pelo seu diretor, Dominic Champagne, como uma homenagem à “alma nômade”, no dialeto cigano da Romenia Varekai significa “onde quer que seja”, o nome é uma alusão à descoberta do novo e ao constante processo de mutação em que vivemos, que nos leva a “lugares” diferentes à cada nova experiência. É mais ou menos esta viagem de descobertas que o espetáculo tenta nos proporcionar. A montagem narra a história de Ícaro, personagem da mitologia grega que, após realizar seu sonho do voar, teria tido suas asas derretidas pelo calor do sol e supostamente caido no mar Egeu. O Cirque du Solei conta a parte da história que até então não tinha sido contada, mostrando aquilo que teria acontecido com Ícaro após insucesso de sua tentativa de chegar ao sol, na montagem ele não cai no mar, mas sim em uma floresta que fica no topo de um vulcão, chamada Varekai... Na floresta Ícaro se redescobre ao entrar em contato com o novo. Através de suas interações com os seres fantásticos que habitam aquele mundo tão estranho, ele reencontra a esperança e o sonho de voar.

Se eu tinha alguma dúvida quanto à suposta perfeição dos espetáculos do Cirque du Soleil, agora não tenho mais, Varekai é de fato perfeito, fiquei boquiaberto diante do belíssimo show de acrobacias e malabarismos, tudo executado com uma incrível perícia e uma sensibilidade tamanha que cheguei a crer que estava diante de algo surreal, inimaginável... O show, que mistura elementos do circo, da ópera e do balé, não se limita à uma simples apresentação de malabaristas e acrobatas, há sempre um conceito por trás de tudo que nos é mostrado e é isto que torna a apresentação tão grandiosa, digna realmente de ser chamada de arte...

Os artistas, vindos de diversas partes do mundo, trazem consigo a magia do espetáculo circense mambembe, magia esta que não se perdeu mesmo diante de tantas evoluções tecnológicas e do advento de novas expressões artísticas e culturais... Achei fabulosa a forma com que eles conseguem convergir as mais diversas expressões artísticas em um mesmo espetáculo; as danças, as lindas músicas (que são executadas ao vivo durante o show), os figurinos, o cenário, a iluminação, os objetos cenográficos, tudo, tudo é impecável e de estonteante beleza estática. Infelizmente não pude filmar ou tirar fotos do espetáculo, era expressamente proibido fazê-lo mesmo antes ou depois da encenação... Contudo nenhuma foto ou vídeo seria capaz de traduzir ou expressar a sensação de presenciar o espetáculo ao vivo. Ao término da apresentação, os meus olhos mareados eram a confirmação de que eu acabara de viver uma das melhores experiências de minha vida, que compensava cada centavo gasto e as quase 10 horas de viagem!

O Cirque du Soleil ainda permanece em BH até o dia 10 de fevereiro, neste ano ele ainda armará sua tenda nas cidades de Brasília, Salvador, Recife e Curitiba; confiram a programação completa AQUI! Se você ainda não foi e tiver alguma oportunidade de ir não a perca por nada, pois lhe garanto valerá a pena!

A Pele que Habito

2012-01-21T01:32:00.000-02:00

A Pele que Habito (La Piel que Habito) - 2011. Dirigido por Pedro Almodóvar. Escrito por Pedro Almodóvar e Agustín Almodóvar, baseado na obra de Thierry Jonquet. Direção de Fotografia de José Luis Alcaine. Música Original de Alberto Iglesias. Produzido por Agustín Almodóvar e Esther García. El Deseo S.A., Canal+ España, Instituto de Crédito Oficial (ICO) e Televisión Española (TVE) / Espanha.

Existem alguns cineastas acerca dos quais só criamos boas expectativas, de alguma forma nossa relação com suas obras nos diz que dificilmente eles seriam capazes de nos surpreender negativamente. Este é o meu caso com os filmes de Pedro Almodóvar. Mesmo depois de tantos filmes ele não foi capaz de me decepcionar, reconheço que sua carreira tenha tido altos e baixos, mas no caso dele os “baixos” estão bem acima da média. Foi com este entusiasmo que comecei assistir A Pele que Habito (2011), seu mais recente trabalho. À minha expectativa foi ainda somada uma grande curiosidade, afinal este seria o primeiro flerte do diretor com o terror, gênero que convenhamos não tem muito haver com estilo melodramático que lhe é característico.

A Pele que Habito, que é uma livre adaptação do livro Tarantula do escritor francês Thierry Jonquet, tem no centro de sua trama o excentrico doutor Robert Ledgard (Antonio Banderas), um personagem claramente inspirado na clássica figura do cientista louco, ele é um cirurgião plástico que está trabalhando em uma espécie de segunda pele, esta mais resistente que a pele humana natural, a jovem Vera (Elena Anaya) é mantida reclusa em seu laboratório e lhe serve como cobaia em seus experimentos, só quem sabe da existência dela é Marilia (Marisa Paredes), a mulher que criou Robert e que fora trazida por ele para trabalhar como governanta em sua mansão após a morte trágica de sua esposa, a quem ele nunca conseguiu esquecer.

À principio tudo na trama nos leva a crer que ela se desenvolverá como uma história de terror convencional, no início o toque autoral de Almodáver se faz presente apenas na parte estética da obra, que é tão bem trabalhada quanto em seus filmes anteriores. Nesta primeira parte senti que faltava uma pincelada do estilo de caricato e por vezes exagerado do cineasta, algumas peças não encaixavam, tudo indicava que seria um apenas um bom filme e nada a mais que isso. No entanto a trama começa a se desenrolar, outros personagens são somados à ela, segredos começam a ser revelados e o passado dos personagens desnudado, aquilo que parecia estar deslocado, passa a fazer todo o sentido, ainda que da forma mais melodramática e exagerada possível, ai vem a certeza, estamos diante de um filme de Almodóvar!

Em A Pele que Habito o diretor cria uma espécie de metáfora do homossexualismo, um dos temas recorrentes em sua filmografia, no desenvolver da história ele faz uma desconstrução da ideia de estar prezo em um corpo não condizente com sua sexualidade, para a partir daí colocar alguns tabus e convenções em cheque, tudo isso é feito de uma forma simbólica e sem panfletarismo, o que torna o filme ainda mais interessante. Não pretendo tecer aqui um comentário mais aprofundado sobre tal metáfora, pois para isso eu teria que revelar segredos da trama, o que tiraria todo o prazer de assistir ao filme... Se por um lado o roteiro expõe de forma quase subliminar suas abordagens, por outro ele já é bem direto, nós expectadores não somos poupados diante de cenas de violência sexual em condições que beiram o grotesco (a foto postada acima dá um claro exemplo disso)...

Em A Pele que Habito Almodóvar volta a trabalhar depois de anos com Antonio Banderas, ator que teve a carreira internacional deslanchada depois da parceria de ambos no excelente Mulheres à Beira de um Ataque de Nervos (1987), o último filme no qual tinham trabalhado juntos fora Ata-me, rodado em 1990, há mais de 20 anos portanto. O elenco ainda conta com a presença mais que ilustre de Marisa Paredes, atriz com quem Almodóvar não trabalhava desde Fale Com Ela (2002). Tanto Banderas, quanto Paredes nos presenteiam com ótimas atuações, eles imprimem em seus respectivos personagens uma carga dramática digna dos melhores filmes do diretor espanhol. A bela Elena Anaya também tem um desempenho notável, ela interpreta um dos personagens mais complexos da trama... A fotografia e a direção de arte, são aspectos que praticamente dispensam qualquer comentários, pois já sabemos de antemão que o cuidado com o visual de seus longas é uma das principais marcas de Almodóvar.

A crítica especializada parece ter se descabelado para enquadrar A Pele que Habito em um gênero cinematográfico específico, o filme chegou a ser rotulado de noir (principalmente por causa do livro que lhe deu origem), terror, suspense psicológico, ficção científica e, lógico, melodrama... A verdade é que ele transita por todos estes gêneros sem se ater a nenhum deles. A complexidade de sua trama, que vai se desenvolvendo em camadas, ao mesmo tempo em que é o seu maior charme, também acaba sendo seu ponto mais frágil. A decisão de criar diversos focos narrativos chegou a ser apontada por parte da crítica como a responsável pela “irregularidade” do filme. Eu, no entanto, acredito que se esta irregularidade realmente exista, ela foi proposital e o intuito por trás dela seria tão somente o de gerar a sensação de desconforto que nós espectadores sentimos durante quase todo o filme, sensação esta que explicaria e justificaria a declaração dada pelo diretor de que este seria um "terror, mas sem gritos ou sustos"...

A Pele que Habito não alcança, em minha opinião, o mesmo status qualitativo de obras primas de Almodóvar como Tudo Sobre Minha Mãe (1999), Volver (2006) e Carne Trêmula (1997), no entanto é um grande filme, um dos melhores de 2011, que merece sem dúvidas ser apreciado... Recomendo!

A Pele que Habito recebeu uma indicação ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Filme Estrangeiro, no Bafta ele concorre ao prêmio de Melhor Filme de Língua Não Inglesa

Assistam ao trailer de A Pele que Habito no You Tube, clique AQUI !

Não permita que este trailer (horrível) lhe desmotive!

Indicados ao BAFTA 2012

2012-01-21T01:24:00.000-02:00

Na última terça-feira (17/01) foi divulgada a lista dos indicados ao BAFTA (British Academy of Film and Television Arts), premiação considerada o "Oscar do cinema britânico". Os filmes com maior número de indicações foram O Artista (12), O Espião que Sabia Demais (11), A Invenção de Hugo Cabret (09), Sete Dias com Marilyn (06), Histórias Cruzadas (05) e Cavalo de Guerra (05). Destaque também para o documentário Senna, que recebeu 3 indicações, inclusive a de Melhor Filme Britânico.

Mais uma vez, tal como no Globo de Ouro, senti o peso da ausência de Melancolia de Lars Von Trier e de A Árvore da Vida, os dois filmes que na minha opinião ocupam o topo da lista de melhores do ano passado... Contudo, acompanhemos!

Confiram a relação completa de indicados:

Melhor Filme

O Espião que Sabia Demais

Melhor Filme de Língua Não-inglesa

Incêndios

Pina - Potiche: Esposa Troféu

A Separação

A Pele Que Habito

Melhor Filme Britânico

Sete Dias com Marilyn

Senna

Shame

O Espião que Sabia Demais

Precisamos Falar Sobre o Kevin

Melhor Diretor

Michel Hazanavicius - O Artista

Nicolas Winding Refn - Drive

Martin Scorsese - A Invenção de Hugo Cabret

Tomas Alfredson - O Espião que Sabia Demais

Lynne Ramsay - Precisamos Falar Sobre o Kevin

Melhor Ator

Brad Pitt - O Homem que Mudou o Jogo

Gary Oldman - O Espião que Sabia Demais

George Clooney - Os Descendentes

Jean Dujardin - O Artista

Michael Fassbender - Shame

Melhor Atriz

Bérénice Bejo - O Artista

Meryl Streep - A Dama de Ferro

Michelle Williams - Sete Dias com Marilyn

Tilda Swinton - Precisamos Falar Sobre o Kevin

Viola Davis - Histórias Cruzadas

Melhor Ator Coadjuvante

Christopher Plummer - Toda Forma de Amor

Jim Broadbent - A Dama de Ferro

Jonah Hill - O Homem que Mudou o Jogo

Kenneth Branagh - Sete Dias com Marilyn

Philip Seymour Hoffman - Tudo Pelo Poder

Melhor Atriz Coadjuvante

Carey Mulligan - Drive

Jessica Chastain - Histórias Cruzadas

Judi Dench - Sete Dias com Marilyn

Melissa McCarthy - Missão Madrinha de Casamento

Octavia Spencer - Histórias Cruzadas

Melhor Roteiro Original

O Artista

Missão Madrinha de Casamento

O Guarda

A Dama de Ferro

Meia-Noite em Paris

Melhor Roteiro Adaptado

Os Descendentes

Histórias Cruzadas

Tudo Pelo Poder

O Homem que Mudou o Jogo

O Espião que Sabia Demais

Melhor Fotografia

O Artista

Os Homens que Não Amavam as Mulheres

A Invenção de Hugo Cabret

O Espião que Sabia Demais

Cavalo de Guerra

Melhor Edição

O Artista

Drive

A Invenção de Hugo Cabret

Senna

O Espião que Sabia Demais

Melhor Designe de Produção

O Artista

Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 2

A Invenção de Hugo Cabret

O Espião que Sabia Demais

Cavalo de Guerra

Melhor Cabelo e Maquiagem

O Artista

Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 2

A Invenção de Hugo Cabret

A Dama de Ferro

Sete Dias com Marilyn

Melhor Figurino

O Artista

A Invenção de Hugo Cabret

Jane Eyre

Sete Dias com Marilyn

O Espião que Sabia Demais

Melhores Efeitos Especiais

As Aventuras de Tintim

Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 2

Planeta dos Macacos - A Origem

Cavalo de Guerra

Melhor Documentário

George Harrison: Living in the Material World

Project Nim

Senna

Melhor Som

O Artista

Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 2

A Invenção de Hugo Cabret

O Espião que Sabia Demais

Cavalo de Guerra

Melhor Trilha Sonora

O Artista – Ludovic Bource

Os Homens que Não Amavam as Mulheres – Trent Reznor, Atticus Ross

A Invenção de Hugo Cabret – Howard Shore

O Espião que Sabia Demais – Alberto Iglesias

Cavalo de Guerra – John Williams

Melhor Animação

As Aventuras de Tintim

Operação Presente

Rango

Melhor Curta-Metragem de Animação

Abuelas

Bobby Yeah

A Morning Stroll

Melhor Curta-Metragem

Chalk

Mwansa The Great

Only Sound Remains

Pitch Black Heist

Two And Two

Melhor Estreia de Roteirista, Diretor ou Produtor Britânico

Ataque ao Prédio - Joe Cornish (diretor/roteirista)

Black Pond - Will Sharpe (diretor/roteirista), Tom Kingsley (diretor), Sarah Brocklehurst (produtor)

Coriolanus - Ralph Fiennes (diretor)

Submarine - Richard Ayoade (diretor/roteirista)

Tyrannosaur - Paddy Considine (diretor), Diarmid Scrimshaw (produtor)

Stanley Kubrick – Imagens de Uma Vida

2012-01-19T12:57:00.000-02:00

Stanley Kubrick – Imagens de Uma Vida (Stanley Kubrick – A Life in Pictures) - 2001. Produzido e dirigido por Jan Harlan. Narrado por Tom Cruise. Warner Bros Pictures / USA.

O que esperar de um documentário sobre a vida e a obra de um dos maiores gênios da sétima arte, dirigido por um dos profissionais que o acompanhou em algumas de seus mais notórios trabalhos? Pois é, não tinha como esperar outra coisa a não ser um mergulho na personalidade, no estilo e no modus operandi do homem e do mito sobre o qual se fala. A expectativa se torna ainda maior por se tratar de um filme sobre Stanley Kubrick, o cineasta que enquanto vivo fez de tudo para se manter longe dos olofotes e do assédio midiático, dirigido por Jan Harlen, o produtor que apostou em alguns mais importantes da história do cinema. Conhecido por ser um diretor “bissexto”, meticuloso e perfeccionista, Kubrick fez o inimaginável, ele rodou verdadeiras obras de arte em Hollywood, mesmo sendo polêmicas algumas destas produções conseguiram a proeza de conquistar sucesso tanto de público quanto de crítica. O considerável retorno financeiro de alguns de seus filmes lhe rendeu uma liberdade criativa poucas vezes vista no cinema mainstrean americano, de posso de tal liberdade ele experimentou e ousou, transpondo limiares que não tinham sido até então sequer atingidos.

Stanley Kubrick – Imagens de Uma Vida (2001) cobre toda a tragetória do cineasta, desde seu primeiro longa, Fear and Desire (1953) até De Olhos bem Fechados (1999), o último, concluido dias antes de sua morte. O documentário ainda invade a tão resguardada privacidade do cineasta, mostrando imagens de sua infância e de sua vida ao lado da esposa e das duas filhas. Jan Halen se preocupa também em explorar a gênese da genialidade de Kubrick, mostrando sua paixão pela literatura, pelo xadrez e pela música clássica e ainda seu trabalho prematuro como fotógrafo, atividade na qual descobriria o dom de manipular as imagens.

Stanley Kubrick – Imagens de Uma Vida traz diversos depoimentos de atores, técnicos, produres e até de outros diretores que trabalharam com o cineasta ou que reconhecem a importância de sua obra. Dentre os entrevistados estão Steven Spilberg, Martin Scorcesse, Woody Allen e Sydney Pollock, eles analisam cada um dos filmes de Kubrick, suas inovações, experimentalismos e a importância deles para o cinema como um todo. É interessante ver outros realizadores cultuados comentando suas reações diante de algumas uma das películas de Stanley, que já lhe causaram espanto, admiração e até decepção. Um dos pontos positivos do documentário é que ele não se atém a falar apenas dos lados positivos do cineasta, alguns depoimentos chegam a ser conflitantes por exporem visões tão diversas acerca de um mesmo homem. Enquanto alguns lamentam não poder trabalhar com ele novamente, como é o caso Jack Nicholson, outros como a atriz Shelley Duvall (para quem as filmagens de O Iluminado (1980) foram traumatizantes) dizem não ter coragem de repetir a dose.

Sendo ou não um figura complexa, dona de uma personalidade difícil, o que não se pode negar é que Stanley Kubrick foi um dos maiores e mais importantes cineastas de todos os tempos, seu perfeccionismo quase doentio, que o fazia repetir durante dias uma mesma cena, rendeu obras as quais o tempo não foi capaz de envelhecer. 2001 – Uma Odisséia no Espaço (1968) e Laranja Mecânica (1971) continuam a nos intrigar até hoje, o suspense de O Iluminado (1980) ainda consegue causar mais arrepios que a maior parte das obras atuais do gênero... Stanley Kubrick – Imagens de Uma Vida será um verdadeiro deleite para aqueles que já conhecem a obra de Kubrick, já para aqueles que ainda não testemunharam sua genialidade, este documentário é um forma de adentrar neste mundo belo e perturbador que é a mente deste homem que aparentava ter sempre uma ebulição de ideias em sua cabeça. Ultra Recomendado!

Assistam a introdução de Stanley Kubrick – Imagens de Uma Vida no You Tube, clique AQUI !

Julie e Julia

2012-01-17T22:24:00.000-02:00

Julie e Julia (Julie & Julia) - 2009. Dirigido por Nora Ephron. Escrito por Nora Ephron, baseado nas obras de Julie Powell e de Julia Child e Alex Prud'homme. Direção de Fotografia de Stephen Goldblatt. Música Original de Alexandre Desplat. Produzido por Nora Ephron, Laurence Mark, Amy Robinson e Eric Steel. Columbia Pictures / USA.

Assisti Julie e Julia (2009) pela primeira vez no início de janeiro do ano passado, eu estava de férias e tal como neste ano, eu não tinha nada planejado, eu sabia que não iria viajar e tão pouco tinha algum compromisso agendado para aquele período, eu precisava de algo que me tirasse da inércia e que ao mesmo tempo desse algum sentido para aqueles dias de tédio. Foi então que ao assistir ao filme dirigido por Nora Ephron, eu tive uma espécie de epifania: Por que não aproveitar o ócio para voltar a postar no meu blog (que estava então praticamente esquecido)? Quando criei o Sublime Irrealidade, em maio de 2008, eu não tinha nem um objetivo, nem uma linha editorial bem definidos, o primeiro post, Gênese, já deixava isso bem claro, dois anos e meio se passaram sem que eu encontrasse um norte para ele... A trama de Julie e Julia foi o incentivo que eu precisava para reformula-lo por completo, cheguei então á conclusão de que se eu quisesse ter um blog eu precisava, antes de qualquer coisa, saber sobre o que escrever ... Parecia o óbvio, mas a ideia de escrever sobre cinema (e outras expressão artísticas) demorou para ser assimilada. Na ocasião eu já tinha postado a resenha de E Aí, Meu Irmão, Cadê Você? (2000), no entanto foi só quando postei a crítica de Os Imorais (1990) que a ficha realmente caiu, naquele dia veio a ideia mirabolante de comentar no Blog cada um dos filmes que eu viesse a assistir a partir de então.

Desde o princípio eu tentei encarar isso não como uma meta, nem como uma obrigação, afinal precisava ser algo natural e espontâneo para valer à pena. Decidi que não postaria sobre filmes cuja exibição fosse prejudicada por fatores externos (tais como conversação durante a exibição), nem sobre aqueles cuja qualidade da exibição deixasse a desejar (como os dublados exibidos pela TV aberta). Diante da empreitada e da pouca falta de tempo, acabei assistindo a menos filmes do que nos anos anteriores, contudo o aprendizado foi muito maior. Durante este ano, assisti e escrevi sobre produções dos mais diversos gêneros, passei por clássicos, cults, indies e até por alguns lançamentos e brokebusters (no total foram mais de 120 obras resenhadas). Em cada uma das resenhas que escrevi, busquei ter como referência não só os nomes envolvidos, ou os prêmios conquistados pelos filmes, mas principalmente a impressão cada obra individualmente causou em mim durante a exibição, este era para mim o diferencial... Neste período, adquiri conhecimento e acumulei um considerável número de visualizações de página, no entanto o mais valioso foram as amizades e parcerias conquistadas... Conheci pessoas maravilhosas, donas de uma excelente bagagem cultural, que ora me incentivaram com elogios, ora me mostraram através de críticas quais os caminhos eu deveria seguir.

Deixemos um pouco de lado tais divagações e voltemos ao filme. Julie e Julia é baseado em duas histórias reais de persistência e auto-superação. Na primeira, que se passa nos anos 50/60, conhecemos Julia Child (Meryl Streep), ela que acabara de mudar com o marido, o diplomata Paul Child (Stanley Tucci), para Paris, começa a sentir-se deslocada na cidade por não ter um emprego ou algo a que se dedicar. Em uma tentativa de ocupar seu tempo com algo produtivo, Julia começa um curso de culinária em período integral. Ela, que se apaixonara pela cozinha francesa desde sua chegada ao país, fica decepcionada ao descobrir que não existe nenhum livro de receitas da culinária local que tenha sido traduzido para o inglês. Após vencer a sua falta de jeito com a cozinha e terminar o curso (ela não conseguiu o diploma por não ter sido aprovada na prova final), Julia decide embarcar junto com duas novas amigas numa ousada missão, elas pretendem escrever um livro que sirva como um guia prático sobre a culinária francesa para donas de casa americanas... A obra em questão, que seria chamada de Mastering the Art of French Cooking, é até hoje um best seller do gênero.

Na segunda história somos apresentados à doce Julie Powell (Amy Adams), ela é uma escritora fracassada que trabalha em uma repartição pública, em um emprego no qual não encontra qualquer tipo de realização, ela se sente frustrada e entediada e a proximidade de seu aniversário de 30 anos, a faz refletir sobre os rumos de sua vida e acerca de tudo aquilo que ela já deveria ter conquistado. Julie não tem tantas vitórias ou realizações das quais se gabar (sua mãe faz questão de lhe lembrar que ela frequentemente não termina aquilo que começa), enquanto suas amigas mais próximas são, aparentemente, realizadas e bem sucedidas (na verdade são todas mais infelizes que ela, só não admitem isso, vivendo apenas de aparências). Tal como Julia, Julie conta apenas com o carinho e o constante apoio do marido. Quando ela decide criar um blog (em uma época em que eles ainda eram pouco comuns), é Eric Powell (Chris Messina), seu esposo, quem lhe sugere escrever sobre culinária, o tema é algo que ela gosta, sobre o qual seria portanto prazeroso escrever. Ela então estabelece a meta de preparar em um ano as 524 receitas do livro Mastering the Art of French Cooking, co-escrito por Julia Child, e postar sobre cada uma delas em seu blog recém criado, o Julie/Julia Project.

Tanto Julie quanto Julia passam por diversos momentos em que teria sido fácil desistir daquilo a que se dispuseram, nem todos à volta delas as apóiam, o pai de Julia e a mãe de Julie são, a princípio, dois grandes desmotivadores, mas com perseverança elas conseguem ir em frente, rumo ao reconhecimento que torna suas trajetórias dignas da adaptação cinematográfica. A narrativa do filme é simples e de uma agradável leveza que emociona e cativa, em Julie e Julia não tem vilões, nem efeitos especiais, nem clímax, sendo assim o atrativo é tão somente os personagens e suas respectivas histórias. Sabemos de antemão, que a trama é uma idealização dramática e que pode em diversos momentos divergir dos acontecimentos reais que a inspiraram, no entanto isso não é um problema para o filme, penso que, tendo em vista a proposta da obra, um maior comprometimento com a realidade poderia quebrar toda a "magia", comprometendo assim o resultado final e o efeito que a história produz em sobre nós expectadores.

Julie e Julia não é nem de longe uma obra prima e chega a ser bem clichê em alguns momentos, contudo é um filme delicioso de se assistir, isso não só pelos pratos que são preparados durante o desenvolvimento da trama (eu como vegetariano que sou não comeria nem metade deles). Meryl Streep nos brinda com mais uma excelente atuação, a voz e os trejeitos de sua personagem, que chegam a parecer caricatos, constituem uma recriação quase perfeita da verdadeira Julia Child (alguns vídeos, disponíveis no you tube, do programa que Julia apresentou na TV comprovam isso), seu desempenho extraordinário já seria mais que o suficiente para tornar o filme recomendável. Amy Adams também não faz feio, sua atuação explora muito bem o carisma de sua personagem, que se torna ainda mais cativante pela forma com que a atriz interpreta seus pequenos dramas e dilemas. A bela trilha sonora também merece destaque, mas no que se refere à parte técnica, é a montagem que nos salta os olhos, é ela que possibilita o constante diálogo entre as duas histórias contadas.

Julie e Julia não só me ajudou a encontrar um norte para o Sublime Irrealidade, ele foi também o ponto de partida para aquilo de melhor que fiz em 2011, tal como Julie, em meio a tantas frustrações eu descobri o prazer de escrever e de falar daquilo que realmente gosto; ela, conforme mostrado no filme, precisava de um prazo estabelecido para começar a escrever, eu precisava de disciplina, é por isso que considero uma vitória o simples fato de ter chegado até aqui, sou um vencedor sobre mim mesmo, consegui vencer minha inércia e até a minha costumeira preguiça de pesquisar e escrever. Hoje ao menos posso me gabar de não ter mais a sensação de estar "escrevendo para um vazio gigantesco"... Recomendo o filme a todos, sem restrições e dedico este post a cada um dos que visitaram, comentaram, criticaram e elogiaram o Sublime Irrealidade durante este ano... e que venham os próximos!

Julie e Julia recebeu uma indicação ao Oscar na categoria de Melhor Atriz (Meryl Streep). O filme ganhou o Globo de Ouro na categoria de Melhor Atriz em Comédia ou Musical (Meryl Streep), tendo sido indicado nesta premiação também na categoria de Melhor Filme - Musical ou Comédia.

Assistam ao trailer de Julie e Julia no You Tube, clique AQUI !

Vencedores do Globo de Ouro 2012

2012-01-16T19:46:00.002-02:00

A cerimônia de entrega do Globo de Ouro 2012 aconteceu ontem (15/01) em Los Angeles, esta, que foi a 69° edição da premiação promovida Associação de Correspondentes Estrangeiros de Hollywood aconteceu, ao meu ver, sem grandes surpresas. Os grandes vencedores foram (conforme esperado) os filmes The Artist, com 3 prêmios, e Os Descendentes com 2 e série Homeland que venceu em duas categorias. A evento foi apresentado, mais uma vez, pelo comediante inglês Ricky Gervais.

CINEMA

Filme Comédia ou Musical: The Artist

Filme Drama: Os Descendentes

Filme Estrangeiro: A Separação (Irã)

Filme de Animação: As Aventuras de Tintim

Atriz de Comédia: Michelle Williams por Uma Semana com Marilyn

Ator de Comédia: Jean Dujardin por The Artist

Atriz de Drama: Meryl Streep por The Iron Lady

Ator de Drama: George Clooney por Os Descendentes

Atriz Coadjuvante: Octavia Spencer por Histórias Cruzadas

Ator Coadjuvante: Christopher Plummer por Toda Forma de Amor

Diretor: Martin Scorsese por Hugo

Roteirista: Woody Allen por Meia-Noite em Paris

Música Original: Ludovic Bource por The Artist

Canção Original: Masterpiece de W.E.

TELEVISÃO

Série Dramática: Homeland

Série Cômica: Modern Family

Minissérie ou Telefilme: Downton Abbey

Atriz de Série Dramática: Claire Danes por Homeland

Ator de Série Dramática: Kelsey Grammer por Boss

Atriz em Comédia: Laura Dern por Enlightened

Ator de Série Cômica: Matt LeBlanc por Episodes

Atriz Coadjuvante em Série, Minissérie ou Telefilme: Jessica Lange por American Horror Story

Ator Coadjuvante em Série, Minissérie ou Telefilme: Peter Dinklage por Game of Thrones

Atriz de Minissérie ou Telefilme: Kate Winslet por Mildred Pierce

Ator de Minissérie ou Telefilme: Idris Elba por Luther

Drive

2012-01-11T23:42:00.000-02:00

Drive (Drive) - 2011. Dirigido por Nicolas Winding Refn. Escrito por Hossein Amini, baseado na obra de James Sallis. Direção de Fotografia de Newton Thomas Sigel. Música Original de Cliff Martinez. Produzido por Michel Litvak, John Palermo, Marc Platt, Gigi Pritzker e Adam Siegel. Bold Films, Odd Lot Entertainment, Marc Platt Productions, Motel Movies, Drive Film Holdings e Seed Productions / USA.

Assisti Drive (2011) pela primeira vez no último domingo (08/01), passei os últimos dias ruminando seu roteiro... Ontem, ao começar a escrever sua resenha, voltei a ele para rever algumas cenas que não saiam de minha mente e não resisti, não me contentei em rever somente algumas cenas, o assisti por completo mais uma vez e, acreditem, a impressão foi ainda melhor. Posso garantir que se não fosse a enorme quantidade de outros filmes esperando para serem assistidos eu embarcaria facilmente em uma terceira sessão com esta, que é sem dúvidas uma das melhores películas de 2011. O maior pecado que eu poderia cometer ao falar de Drive seria rotulá-lo tão somente como um filme de ação, pois ele extrapola qualquer noção de gênero, transitando ora pelo drama intimista, ora pelo familiar, passando também pelo suspense psicológico, esta última vertente menos explicita no roteiro, porém presente.

Nicolas Winding Refn, que recebeu o prêmio de direção em Cannes, constrói em Drive uma narrativa partindo quase que exclusivamente da perspectiva do personagem principal (Ryan Gosling), um enigmático motorista, cuja personalidade parece refletir não aquilo que ele é, mas tão somente aquilo que ele faz, ele não tem nome, não tem passado, ele apenas dirige... Mas se engana quem aponta o personagem como desumanizado ou minimalista, pois ele é justamente o oposto disso. Não nos importa saber de onde ele veio, nem quais são suas reais motivações, o que interessa é o conflito ético que ele experimenta na história e é este aspecto que torna o filme ainda mais impressionante. Na trama, o personagem ocupa seu tempo trabalhando ora como mecânico, ora como dublê em filmes de ação e ainda como motorista condutor de assaltantes em fuga. Ele não tem uma vida social, não tem tantos relacionamentos e observa o mundo à sua volta com resignação e indiferença.

“Diga-meonde começamos, onde vamos e onde vamos depois, eu te dou cincominutos depois que chegarmos lá. Estou à sua disposição nessescinco minutos, haja o que houver... Haja o que houver após os cincominutos estará por sua conta. Eu não participo do roubo e nãoporto armas, eu dirijo!”

A alienação social do personagem e o clima melancólico e opressivo de Drive nos remete a Taxi Driver (1976), obra prima de Martin Scorsese, a semelhança entre os dois longas, perceptível até no nome, não para por ai, algumas tomadas e enquadramentos são bem parecidos e a similaridade está presente também no desenvolvimento do personagem central que, tal como o taxista Travis Bickle, parece não ser guiado por uma moral social constituída, mas sim por uma espécie de código ética pessoal, código este que nos dois casos parece ter sido deturpado pelas suas respectivas vivências e pela reclusão que se auto impuseram. Ambos são marginais, no sentido de viverem à margem da sociedade. Ambos não conseguem se enquadrar ao meio em que vivem e suas atitudes são em diversos pontos condenáveis. Ambos num rompante de reação, conduzidos por uma espécie de justiça própria, decidem intervir no meio para destruir o que condenam e proteger o que valorizam, tal reação apenas reforça a ideia de que são determinados não por aquilo que são, mas por aquilo que fazem.

O "protagonista" de Drive, chamado em algumas cenas apenas de "Driver" (motorista em inglês), realiza seus serviços motivado por objetivos escusos, ele visivelmente não quer dinheiro, tão pouco ascensão social e seu trabalho na oficina mecânica me parece mais algo relacionado à gratidão que ele sente em relação ao patrão, que o aceitou como empregado sem fazer qualquer questionamento acerca de seu passado, do que um meio de garantir sua subsistência (esta é apenas uma das situações em que o que aflora é a ética pessoal do "motorista" e não o moralismo vigente). Passamos a entender o personagem um pouco melhor depois que ele conhece Irene (Carey Mulligan), sua vizinha, e o menino Benício (Kaden Leos), o filho dela; ele que está diretamente envolvido com a criminalidade local (o que seria uma postura moralmente condenável), assume o risco de se envolver em uma situação altamente perigosa para garantir a segurança de Irene e de sua família (o que seria à primeira vista uma atitude louvável), eias aí a discrepância no comportamento ético do personagem que culmina no conflito silencioso que o leva à reação violenta.

Standart (Oscar Isaacs), o pai do filho de Irene, está preso, o que facilita a aproximação do "Driver", que ganha então a confiança da mulher e do garotinho. Irene começa a se deixar envolver por ele quando recebe a notícia de que o marido estaria ganhando a liberdade dentro em breve. O retorno de Standart, que poderia ser o mote para o desenvolvimento de um forte conflito, acaba nos deixando ainda mais intrigados acerca da personalidade do motorista, este aceita participar de um assalto para ajudar o ex-presidiário a quitar dividas contraídas enquanto estava na prisão. É então que surge a dúvida, por que ele colocaria sua vida em risco para tentar salvar o marido da mulher por quem está apaixonado? Ele de fato não estaria ganhando nada que compensasse o risco que correria ao participar do crime, tão pouco conquistaria o amor e o respeito de Irene com isso, mas ele o faz simplesmente porque acredita que é o certo a se fazer (outra vez a sua ética pessoal se sobressaindo diante da moral estabelecida).

O motorista de Drive talvez seja um dos personagens mais interessantes e intrigantes concebidos pelo cinema em 2011, ele não precisa falar muito ou ter frases de afeito para nos instigar já no início da exibição do filme. Ryan Gosling, em uma ótima atuação, consegue transmitir pela expressão facial (preste atenção nos closes) e pelos poucos gestos a frieza de seu personagem e a violência contida por ele, que ameaça explodir a qualquer momento. A fotografia cheia de contrastes acentuados, um belíssimo trabalho de Newton Thomas Sigel, nos dá plena noção dos sentimentos e sensações que cada cena transpira, o clássico jogo entre a luz e a sombra (que aparentam estar em um constante conflito em cada um dos fotogramas), parece materializar as contradições comportamentais e éticas do motorista. As tomadas feitas à noite são belíssimas, nalas a fotografia ajuda a delinear ao mesmo tempo a beleza e a hostilidade de Las Vegas. A captura de imagens feita de dentro do carro em movimento, que lembram algumas de Taxi Driver, consegue reforçar a ideia do distanciamento social e da solidão do personagem de uma forma sublime.

O ritmo do filme segue lentamente, como se buscasse contemplar uma áurea não tão aparente, presente em cada um dos personagens, principalmente no principal, tal ritmo é então subitamente quebrado pela explosão da violência, que não nos surpreende por já ter sido anunciada desde as primeiras sequências do longa. É durante a transição rítmica que percebemos a competência e a habilidade de Nicolas Winding Refn, em outras mãos a alteração abrupta poderia nos parecer imprecisa ou no mínimo estranha, o que definitivamente não é o que acontece no caso de Drive. Como se não bastasse tudo isso, o filme ainda tem uma trilha sonora fantástica, que remonta à uma sonoridade típica dos anos 70 e 80, as belíssimas canções ajudam não só na construção no clima predominante no filme, mas também na transição de ritmo e na leitura que fazemos de cada uma das atitudes do personagem principal... Drive é uma obra prima que precisa ser vista por todos! Ultra Recomendado!

Drive está indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Ator Coadjuvante (Albert Brooks). Em Cannes, o filme foi o vencedor na categoria de Melhor Diretor.

Assistam ao trailer de Drive no You Tube, clique AQUI !

American Horror Story - A Série

2012-01-09T14:59:00.000-02:00

O Sobrenatural Como Metáfora na Abordagem de Temores Reais

Tirando algumas raras exceções, a produção atual de terror, principalmente aquela focada em questões sobrenaturais, não me agrada, foi por isso que comecei assistir a série American Horror Story, sem esperar que iria conseguir chegar ao final da primeira temporada. A série não é nem de longe uma das melhores que assisti nos últimos tempos, mas ela me surpreendeu, principalmente pela sua abordagem, que apesar de passar por diversos clichês do gênero, ainda consegue ter um diferencial, algo que a coloca em um patamar acima daquele onde estão outras produções do estilo feitas para o cinema ou para a TV. Concebida pelos mesmos criadores de Glee (Ryan Murphy e Brad Falchuck), American Horror Story tem no centro da trama uma família nuclear lutando para viver o sonho americano, eles se mudam para uma nova casa, em um outro estado, para tentar recomeçar do zero, deixando para trás alguns traumas recém vividos.

O psiquiatra Ben (Dylan McDermott) e sua esposa Vivien (Connie Britton) se mudam com a filha adolescente Violet (Taissa Farmiga) de Boston para Los Angeles, a intenção deles é superar o trauma recente provocado por um aborto espontâneo sofrido por Vivien e também tentar salvar o casamento de uma crise agravada pelas infidelidades de Ben. Eles compram, por uma bagatela, uma grande mansão construída por um cirurgião no início do século passado. A casa, edificada em estilo gótico, esconde segredos horripilantes, que vão sendo revelados pouco a pouco durante os episódios. No tocante ao aspecto sobrenatural, a trama chega a lembrar algumas das mais bem-sucedidas produções cinematográficas do gênero, como O Sexto Sentido (1999) e Os Outros (2001), são claras também as referências à clássicos como O Iluminado (1980) e O Bebê de Rosemary (1968). No entanto não é o sobrenatural que torna a série digna de ser conferida...

American Horror Story assusta, não por falar de mortos ou assombrações, mas sim por abordar medos reais, tão verdadeiros que são capazes de nos chocar e nos levar à reflexão ao final de cada episódio. A série nos coloca diante de nossos próprios fantasmas, dentre eles os medos de enlouquecer, de sermos traídos e enganados, de estarmos sozinhos e desamparados, de perdermos o controle, de termos a segurança de nosso lar e de nossa vida familiar violadas e de estarmos à mercê do desconhecido... É neste ponto que compreendemos o quanto a obra faz jus ao seu título; tais medos têm cada vez mais se enraizado no consciente coletivo do povo americano nos últimos anos, estes temores se tornam ainda mais assustadores à medida que percebe-se que o “sonho” é só uma idealização e que a crise econômica, a ameaça terrorista e a decadência das instituições (temores que também são explorados pela série) são bem mais reais e palpáveis que ele.

Na trama os personagens se deixam ser levados e atormentados pelas situações bizarras, que acontecem na casa e em volta dela, principalmente porque não conseguem mais se comunicarem entre si. A filha adolescente prefere o risco de flertar com o surreal do que encarar o bulling, do qual é vítima na escola. O pai não consegue vencer seus impulsos e com isso coloca em risco a estabilidade e a segurança física e psicológica de sua família e a mãe está temerosa e machucada demais para perceber que a mesma ruína que se abateu sobre ela está destruindo também a vida do esposo e da filha... As dores e os medos que experimentam os distanciam ainda mais e se eles não mais capazes de se compreenderem, outros o serão, é então que entram em cena a estranha vizinha Constance (Jessica Lange), sua filha portadora de síndrome de down, Addie (Jamie Brewer), a governanta Moira (interpretada ora por Frances Conroy, ora por Alexandra Breckenridge), o ex-proprietário da casa Larry (Denis O'Hare) e o jovem psicótico Tate (Evan Peters).

É perceptível também o forte toque de ironia que permeia cada um dos episódios e principalmente o desfecho dado à história (ao que tudo indica a próxima temporada trará novos personagens e uma nova trama). A acidez, que também pode ser notada na trama de Glee, aqui toma proporções ainda maiores por extrapolar questões tipicamente adolescentes e entrar em outras mais complexas e contundentes. American Horror Story funciona ao mesmo tempo como uma metáfora e como uma sátira de uma sociedade que presencia a agonia de suas instituições mais tradicionais, dentre elas a família, sem conseguir se autoanalisar e rever suas prioridades para assim revertera a situação. De formas diferentes, porém similares, os personagens se ajustam, ao invés de lutar contra, os "fantasmas" que rondam a casa. Uma total indiferença a tudo, baseada no conformismo insurge como a forma mais cômoda de apenas tocar a vida, ou o que sobrou dela...

American Horror Story é tecnicamente irrepreensível, a direção de arte é bela e denota o cuidado que se teve com as locações e com as reconstruções de época, tal zelo é perceptível também nas peças publicitárias (vide cartaz acima) e na excelente abertura que novamente reverencia clássicos do horror. A fotografia e os movimentos de câmera ajudam a atenuar o clima opressivo que se mantém em todos os episódios. A trilha sonora é outro aspecto positivo da série, uma pena que as belíssimas canções, que geralmente são usadas no prólogo de cada episódio, não estão presentes também em outros momentos da trama. O desenvolvimento e o ritmo também são bons, nenhum dos episódios chega a ser cansativo e o suspense nos mantém presos à série até o final da temporada (final que ao meu ver poderia ter sido bem melhor). A série se torna ainda mais interessante ao subverter alguns clichês associados às noções de politicamente correto e isso, associado às metáforas implícitas em sua trama, a salva de cair no lugar comum, no limbo das produções do gênero...

American Horror Story não tem nada de tão excepcional ou inovador mas vale a pena ser vista com um olhar crítico e atento. Ao assisti-la desconsidere o sangue, as mortes violentas e a as aparições e preste atenção naquele que é o seu verdadeiro foco: a família nuclear... Recomendo!

American Horror Story está indicada ao Globo de Ouro 2012 nas categorias de Melhor Série - Drama e Melhor Atriz Coadjuvante em Série, Minissérie ou Telefilme (Jessica Lange).

Assista ao trailer de American Horror Story no You Tube, clique AQUI !

Contágio

2012-01-08T12:39:00.000-02:00

Contágio (Contagion) - 2011. Dirigido por Steven Soderbergh. Escrito por Scott Z. Burns. Direção de Fotografia de Steven Soderbergh. Música Original de Cliff Martinez. Produzido por Gregory Jacobs, Stacey Sher e Michael Shamberg. Warner Bros. Pictures / USA | Emirados Árabes Unidos.

Tem filmes que tinham tudo para se tornarem obras primas, um elenco escolhido a dedo, um bom mote e um cineasta experiente no comando, no entanto em algum pontos eles acabam tropeçando e põem tudo a perder. Este é o caso de Contágio (2011), a mais nova película de Steven Soderbergh, o longa não é nem de longe um filme ruim, mas fica muito aquém da expetativa alimentada pela sua sinopse e pelos nomes envolvidos... Uma das piores sensações que acredito que possamos ter diante da tela, é a de que o filme está demorando para acabar, pois é, esta foi a sensação a qual fui acometido enquanto assistia Contágio. Eu, que acreditava já estar chegando ao desfecho da trama, tomei um baita susto quando me dei conta de que o filme ainda não estava nem na metade e ele tem menos de duas horas de duração. Eu normalmente não tenho nenhum problema com tramas que se desenrolam lentamente e este nem é o caso deste filme, que tem até um ritmo bem ágil, portanto atribuo minha reação não à uma questão de lentidão, mas ao simples fato de que em sua primeira hora de duração o filme é muito cansativo.

Na segunda parte, o filme ganha um ritmo melhor no entanto permanece uma sensação estranha de que algo esta faltando. Demorei para compreender o que era, afinal as atuações, apesar de não terem nada de tão especial, são boas, tecnicamente também o filme é bom e as diversas histórias contadas são devidamente costuradas. Cheguei à conclusão de que o filme carece mesmo é de propósito, pois ele não tem uma ideia, ou um conceito que possa sustentar sua trama e nem tão pouco pode ser considerado um filme pipoca, dos quais já não esperamos tal tipo de coisa. Apesar de estarem bem ligadas, as pequenas tramas do filme acabam não funcionando tão bem, tropeço que atribuo à excessiva fragmentação do roteiro; isso infelizmente impede Contágio de ter um foco narrativo bem desenvolvido, que poderia muito bem ser a atuação das indústrias de medicamentos, a busca dos cientistas pela cura, o sensacionalismo apocalíptico de parte da mídia ou a reação da população diante da ameaça... Cada um destes temas atá são retratados no filme, porém muito superficialmente.

Exposto aquele que ao meu ver seria o lado negativo do filme, vamos à parte boa, àquela que o livra de ser mais uma obra descartável: Contágio chama a atenção, desde seu princípio, pela sua intensão de envolver a nós expectadores no alarmismo explorado pelo seu roteiro, a câmera passeia e faz closes em maçanetas, copos, alimentos e outros objetos que poderiam facilitar a transmissão do vírus de uma pessoa para outra, isto mostra o quanto todos nós estaríamos suscetíveis a tal tipo de ameaça. Chega a ser impressionante perceber como uma epidemia pode se alastrar tão facilmente e sem nenhum controle, a rapidez com que os infectados morrem é outra peça importante para nos fazer experimentar o pânico vivido pelos personagens. As alusões ao vírus H1N1, agente causador da Influenza A, estão presentes em toda a história, elas servem para nos mostrar o quão perto a trama está de nossa própria realidade e também para colocar em cheque a atuação dos grandes laboratórios de medicamentos e dos centros de controle d doenças geridos pelo estado...

A história de Contágio começa com Beth Emhoff (Gwyneth Paltrow) voltando de uma viagem a Hong Kong; ela faz uma escala em Chicago, onde se encontra às escondidas com um homem, em seguida ela pega um avião de volta para Minneapolis, onde se reencontra com o marido, Mitch Emhoff (Matt Damon) e com o filho. Ao chegar em casa ela já apresenta então alguns sintomas, que poderiam facilmente ser confundidos com uma gripe comum. No dia seguinte seu estado de saúde se agrava subitamente, seu marido a leva às pressas para o hospital, mas ela não resiste, logo em seguida outras mortes acontecem. Outras pessoas de diferentes lugares começam a apresentar os mesmos sintomas, o que indica que a doença até então desconhecida tem um alto poder de propagação. O jornalista e blogueiro Alan Krumwiede (Jude Law) é o primeiro a identificar, através de um vídeo, a rapidez com que a doença pode levar o infectado à morte, ele tenta levar a pauta a um grande jornal, mas eles não lhe dão ouvidos.

Após as primeiras mortes, temendo algo ainda pior, o Departamento de Segurança Nacional dos Estados Unidos nomeia o doutor Ellis Cheever (Laurence Fishburne) para estar à frente de uma equipe responsável por descobrir o agente causador da doença e encontrar rapidamente uma cura para ela. Cheever envia a agente Erin Mears (Kate Winslet) a Minneapolis, para realizar entrevistas e uma pesquisa de campo, que possa ajudar a apontar como a doença se propaga, de onde ela veio e como tratar e isolar os infectados de forma a impedir novos contágios. A Organização Mundial da Saúde (OMS) envia a doutora Leonora Orantes (Marion Cotillard) para Hong Kong, que conforme tudo indica seria o lugar onde ocorreu a primeira morte, ela está incumbida de investigar a origem do vírus com a ajuda de pesquisadores e de autoridades locais. Outros personagens ainda são incluídos na trama, numa tentativa de se dar uma dimensão dramática mais ampla para a pandemia, que afeta todas as esferas da sociedade.

Como eu disse, o filme não é de todo ruim, na maior parte dele os aspectos positivos se sobrepõem aos negativos, no entanto eu não consegui ver nele nada que justifique a badalação feita por parte da crítica, não é nem de longe uma obra prima e chega a ter um gostinho levemente amargo, principalmente quando nos damos conta, que um elenco tão bom poderia ter sido bem melhor usado... Os personagens de Kate Winslet, Marion Cotillard e Matt Damon poderiam ter sido explorados com um pouco mais de profundidade e sem o olhar distante e desfocado, impresso pela direção, que tenta deixar o filme o mais desumano possível para assim atenuar as sequências nas quais a humanidade e o altruísmos dos personagens afloram. Contágio merece sim ser visto, contudo a minha dica é que você o faça sem alimentar tanta expectativa, sem esperar muito de seu roteiro ou das atuações.. assim quem sabe ele não lhe surpreende com seus outros dotes?

Assista ao trailer de Contágio no You Tube, clique AQUI !

Confiram também aqui no Sublime Irrealidade a resenha crítica

de Onze Homens e Um Segredo , também dirigido por Steven Soderbergh.

A Insustentável Leveza do Ser - O Filme

2012-01-05T23:00:00.000-02:00

A Insustentável Leveza do Ser (The Unbearable Lightness of Being) - 1988. Dirigido por Philip Kaufman. Escrito por Jean-Claude Carrière e Philip Kaufman. Direção de Fotografia de Sven Nykvist. Música Original de Mark Adler. Produzido por Saul Zaentz. The Saul Zaentz Company / USA.

Toda adaptação cinematográfica pressupõe transição de linguagens, neste processo, que ocorre durante a escrita do roteiro do filme, acontece uma verdadeira edição que pode eliminar personagens, ideias e acontecimentos presentes na obra original. Por isso é tão comum ouvirmos a máxima que diz que “o livro é infinitamente melhor que o filme”. A linguagem cinematográfica, em audiovisual, possui uma capacidade inimaginável de elaborar conceitos abstratos e materializar situações diversas, no entanto fazê-lo se torna mais complicado quando os mesmos conceitos e situações já ganharam vida através da linguagem literária, que possui uma capacidade igualmente ampla de interagir com o receptor de suas mensagens e de formar em seu imaginário a idealização daquilo que é abordado no texto.

Assisti A Insustentável Leveza do Ser (1988) pela primeira vez há alguns anos atrás, lembro que a princípio foi o título do filme, que até então eu não compreendia, que despertou a minha curiosidade. Tive certeza de que queria vê-lo quando, ao ler a sinopse, descobri o contexto no qual a história se desenvolvia, eu tenho um enorme fascínio pelos anos 60 e por tudo que este período representou no cinema, na música e na política (já deve ter falado disso aqui no blog um incontável número de vezes). Como já mencionei na resenha crítica que fiz do livro de Milan Kundera, que deu origem ao filme, a história se passa na Tchecoslováquia durante o período subsequente à “Primavera de Praga” e, tal como na obra literária, no longa a instável situação política do país serve de pano de fundo e também como alegoria para questões relacionadas às decisões e aspirações de cada um dos personagens centrais.

O impacto estarrecedor que me foi provocado pelo livro é bem superior ao que o longa é capaz de induzir. Ao se fazer uma análise comparativa entre as duas obras é quase inevitável que se chegue à conclusão de que o filme é limitado em suas abordagens e reflexões, no entanto eu acredito que tal tipo de comparação deva ser evitada, pois se tratam de obras distintas, de diferentes linguagens e cada uma delas carrega consigo a “verdade” de realizadores diferentes (o autor no caso do livro e o diretor e o roteirista no caso do filme). Pressupor que toda adaptação deva ser obrigatoriamente fiel à obra que a originou é negar que diretores e roteiristas trazem consigo alguma carga autoral e por menor que ela seja ela irá certamente influenciar no resultado final. Diferenças observadas quando comparadas as obras podem se tratar de uma simples questão de angulação, uma mesma situação vista por olhares diferentes irá inevitavelmente resultar em outras situações diferentes, apenas similares, é o que acontece com A Insustentável Leveza do Ser, filme e livro.

No post anterior disse que a impressão que tive ao ler o livro foi a de que Milan Kundera, talvez quisesse trabalhar uma ideia e não uma história e que para isso ele teria usado os personagens apenas como “ilustrações” de seus pensamentos, no filme não é isso que acontece, em sua trama os personagens vivem os mesmos dilemas, as mesmas crises, porém as reflexões existencialistas ensaiadas no livro acabam se perdendo. Eu penso que seria praticamente impossível trasportar toda a profundidade filosófica da obra literária para a tela, no filme perde-se a presença do autor onisciente e também a relevância de suas ponderações e diante disso o que sobre é apenas os personagens e suas respectivas histórias. Em alguns momentos, citações de Kundera são transformadas em falas de alguns dos personagens, para desta forma serem encaixadas no roteiro, porém este artifício se mostra falho, pois torna alguns diálogos artificiais e notadamente deslocados... felizmente tal recurso não é tão utilizado.

Na história, Tomas (Daniel DayLewis) é um jovem cirurgião que está totalmente alheio a tudo que esta acontecendo em seu país, ao contrário de sua geração que se engajara na militância política, ele esta interessado é tão somente no prazer da busca, a busca pelo prazer, um círculo vicioso do qual ele não pretende escapar, ele valoriza a leveza do desapego em detrimento do fardo do engajamento, porém suas convicções são colocadas em cheque quando ele conhece Tereza (Juliette Binoche), uma garçonete de uma cidade do interior com quem por uma série de coincidências ele se envolve, a relação entre eles poderia ser tão superficial e passageira quanto todas as outras vividas por ele, mas é então que surgem as metáforas, que trazem consigo um significado maior que constrange o médico a se sucumbir diante do peso de um relacionamento amoroso. Tereza está perdidamente apaixonada por Tomas, porém ele não abandona sua vida de aventuras sexuais por causa dela, o que a leva a questionar a natureza do amor que ele diz sentir.

Sabina (Lena Olin) é uma das amantes de Tomas, tal como ele, ela não quer o comprometimento de uma relação duradoura e prefere se entregar a um ardente amor carnal, no entanto tal opção que ambos fazem pela leveza possui motivações bem diferentes, enquanto em Tomas ela se dá pela fixação dele na “busca”, em Sabina ela é provocada por uma espécie de compulsão, ela acredita estar presa a uma determinada condição e justamente por isso se rende a ela, tal compulsão seria a traição, que a leva também para um circulo vicioso, dentro do qual ela estará eternamente condenada a começar relacionamentos para depois terminá-los por causa de sua infidelidade. Dentre os quatro personagens centrais do livro, Franz (Derek de Lint) é o menos explorado na obra cinematográfica, ele se torna amante de Sabina depois que ela se exila em outro país fugindo da barbárie da ocupação russa na Tchecoslováquia, no filme ele é apenas um personagem secundário e seu único dilema está em deixar ou não a esposa para viver plenamente seu caso com a amante.

Quando assisti A Insustentável Leveza do Ser esta semana seu impacto sobre mim foi bem diferente de quando eu o assisti pela primeira vez, o que se deve em partes à leitura prévia do livro, à medida que o filme se aproximava do final eu sentia como se estivesse me despedindo dos personagens com os quais eu convivi nas últimas semanas, tamanho meu envolvimento com a história... Apesar de ser filosoficamente inferior ao livro, o filme é uma bela obra de arte, a reconstrução de uma época é impressionante e ela é amparada pela belíssima fotografia, pela direção de arte e pelas ótimas escolhas das locações. As atuações não deixam desejar em nenhum momento e o erotismo do filme não é do tipo que incomoda ou constrange, é tudo muito sutil, belo e dotado de significações... apaixonante! O roteiro pode ter seus pequenos deslises, divergências com o livro podem até ser irritantes em alguns pontos, mas meu veredito é apenas um: A Insustentável Leveza do Ser é um filmaço que merece e muito ser visto! Leia o livro e assista o filme! Recomendo!

Assista ao trailer de A Insustentável Leveza do Ser no You Tube, clique AQUI !

Confiram também, aqui no Sublime Irrealidade, a resenha crítica

do livro A Insustentável Leveza do Ser de Milan Kundera

A Insustentável Leveza do Ser – O Livro

2012-01-01T23:06:00.000-02:00

A Insustentável Leveza do Ser de Milan Kundera. Lançado em 1982. Tradução de Teresa Bulhões Carvalho da Fonseca. São Paulo. Companhia das Letras, 2008.

Tudo começou à algumas semanas atrás quando o amigo Celo Silva postou algo sobre o filme A Insustentável Leveza do Ser (1988) em um grupo sobre cinema no facebook, já fazia um tempo que eu queria comprar o livro, do qual o filme fora adaptado e aquela foi a minha deixa, o preço estava acessível e no impulso comprei também o filme em DVD. Com a minha aquisição acabei incentivando as amigas Joicy Doux Sorcière e Joyce Pretah que também compraram. Tão logo o livro chegou, eu comecei a devorá-lo, pela falta de tempo eu o lia na maioria das vezes no ônibus, enquanto estava indo e voltado para a cidade vizinha onde trabalho. Quando eu me dei conta, eu já estava imerso na trama e nas reflexões ensaiadas pelo autor Milan Kundera. Terminei o livro e as reflexões permaneceram, como se eu estivesse vivendo uma espécie de eco da obra na qual eu mergulhara. Não é para menos, A Insustentável Leveza do Ser tem sido frequentemente apontado como um clássico da literatura contemporânea, e isto é facilmente justificado pela sua grandiosidade estética e filosófica. A prosa do autor, impregnada de erotismo, seduz e nos torna em pouco tempo quase íntimos de seus personagens.

“O mito do eterno retorno afirma, por negação, que a vida que desaparece de uma vez por todas, que não volta mais, é semelhante a uma sombra, não tem peso, esta morta por antecipação, e por mais atroz, mas bela, mais esplêndida que seja, essa atrocidade, essa beleza, esse esplendor não tem o menor sentido [...] Se cada segundo de nossa vida deve se repetir um número infinito de vezes, estamos pregados na eternidade como Cristo na cruz. Essa ideia é atroz. No mundo do eterno retorno, cada gesto carrega o peso de uma responsabilidade insustentável. É isso que levava Nietzsche a dizer que a ideia do eterno retorno é o mais pesado dos fardos [...] O mais pesado dos fardos nos esmaga, verga-nos, comprime-nos contra o chão [...] Quanto mais pesado é o fardo, mais próxima da terra está nossa vida, e mais real e verdadeira ela é. Em compensação, a ausência total de fardo leva o ser humano a se tornar mais leve do que o ar, leva-o a voar, a se distanciar da terra, do ser terrestre, a se tornar semi-real, e leva seus movimentos a ser tão livres como insignificantes...”

A reflexão acima pontua o início da obra e serve de base para tudo o que acontecerá em seu desenvolvimento. Tal dicotomia entre a leveza e o peso está presente na vida de cada um dos personagens, a quem o autor desnuda psicologicamente em busca das reais motivações de seus comportamentos sexuais, sociais e políticos. Desde o primeiro capítulo, Kundera deixa claro que as pessoas das quais ele escreve se tratam e personagens, ele não quer com isso eliminar a possibilidade de que tenham sido histórias reais, sua pretensão é deixar evidente que eles são apenas verossimilhantes e tão somente criações suas, e ele na condição de criador tem a onisciência de tudo acerca de suas vidas... A impressão que eu tive é a de que talvez o autor quisesse trabalhar, não uma história, mas uma ideia, o que faria de seus personagens apenas ilustrações de seus pensamentos e nada mais que isso.

Milan Kundera

A Insustentável Leveza do Ser tem uma intensa carga erótica que serve na trama como alegoria para questões maiores acerca da condição humana e da realidade experimentada. Kundera insere seus personagens em um contexto conturbado de intensas transformações sociais e políticas, a história se desenvolve no final dos anos 60 durante a ocupação russa na Tchecoslováquia, que começara após o período que ficou conhecido como “primavera de Praga”. Aquele foi um tempo de supressão das liberdades individuais, de conflitos e de perseguições de militantes contrários ao regime comunista, então vigente no páis. No entanto, no livro tanto a situação política, quanto as questões envoltas no comportamento sexual dos personagens, são apenas metáforas de algo maior e bem mais amplo... o próprio autor, no decorrer da história, nos alerta sobre a relevância de tais figuras de linguagem e o risco que elas podem oferecer.

“Os personagens de meu romance são minhas próprias possibilidades que não foram realizadas. É o que me faz amá-los, todos, e ao mesmo tempo a todos temer. Uns e outros atravessaram uma fronteira que eles atravessaram (fronteira além da qual termina o meu eu). E é somente do outro lado que começa o mistério que o romance interroga. O romance não é uma confissão do autor, mas uma exploração do que é a vida humana na armadilha que se tornou o mundo...”

Ao nos contar sobre os quatro personagens centrais (Tomas, Tereza, Sabina e Franz), o autor narra fatos históricos e descreve a instável situação política da Tchecoslováquia, ele recria assim todo um panorama cultural de uma época, que fora marcada em boa parte do mundo pela revolução sexual, por transformações sociais e pelo desbunde artístico. Através das ponderações de Kundera sobre o engajamento político, gostos e fetiches dos personagens, nós leitores somos convidados a refletir sobre a nossa própria condição e sobre a forma assustadora com que nossas atitudes podem ser determinadas não pelos nossos próprios erros e acertos, mas também pelas decisões de nossos antecedentes (eterno retorno). Teresa por exemplo repudia algumas atitudes de sua mãe, até perceber que está se tornando parecida com ela; Sabina guarda consigo um chapéu-coco que fora de seu avô, o objeto ilustra a forma com que ela está ligada, diria até presa, ao passado por um vínculo genealógico, que nem ela mesma sabe explicar...

"O que precisamente aconteceu com Sabina? Nada. Deixara um homem porque quisera deixá-lo. Ele a perseguira depois disso? Quisera se vingar? Não. Seu drama não era o drama do peso, mas da leveza. O que se abatera sobre ela não era um fardo, mas a insustentável leveza dos ser."

Tomas leva uma vida pautada pelo desapego, suas aventuras sexuais ilustram bem a leveza sobre a qual o autor pondera, porém um série de acontecimentos o leva a uma situação em que ele se deixa ser esmagado contra o chão pelo fardo que passa a carregar, a partir de então é a leveza que se torna seu fardo, ele deixa de flutuar acima dos acontecimentos e experimenta o que seria de fato a vida real, esta pautada por uma existência cheia de dúvidas e dilemas com os quais ele não sabe lidar.

Teresa ao contrário de Tomas, busca viver a realidade, ela repudia a leveza, pois esta pressupõe repetição e decididamente ela não quer reviver ad infinitun a vida mesquinha que leva trabalhando como garçonete em uma cidade do interior e tão pouco quer cometer os mesmos erros cometidos pela mãe. Ela busca algo de superior que possa "elevar" sua existência a uma outra condição e frequentemente ela associa isso às artes, seja à literatura que constantemente devora ou à fotografia que se torna para ela uma forma de expressão, no entanto o que ela busca é um fardo sob o qual se vergar, um peso que a faça se sentir viva e que a sua vida é de fato real...

Franz, ao contrário do que pode denotar seu posicionamento político, está tão preso à leveza quanto Tomas, ele no entanto tenta negar isso se juntando à "grande marcha", que seria uma idealização da multidão que caminha rumo a um mundo melhor (o Kitsch da esquerda política), ele não tem uma posição ideológica definida, quer apenas sentir que faz parte de algo, que está marchando rumo a algo e que caminha ao lado de alguém, ainda que tudo isso não seja nada mais que uma mera repetição...

Sabina, talvez mais que os outros personagens, traz profundas marcas que a impede de se libertar do eterno retorno, a traição seria a repetição da qual ela não consegue se desprender, a leveza se torna insustentável para ela a partir do momento que ela toma consciência de sua condição... ela deixara de viver algo bom tão somente pelo seu medo de deixar de ser livre, de se prender a alguém e assim se sucumbir diante de um fardo que torne sua vida verdadeira...

A complexidade da obra é quase impossível de ser condensada em um breve resumo, por isso me perdoem a superficialidade desta análise, para que se tenha uma real noção do que estou falando só mesmo lendo o livro e mergulhando, assim como eu fiz, na reflexão proposta pelo autor... A Insustentável Leveza do Ser, além de ser brilhante como romance histórico/filosófico, é também apaixonante pela explosão de sentimentos que tão bem consegue reproduzir em suas páginas, sentimentos estes que vão da compaixão ao asco, do amor fraternal ao mais ardente tesão... Uma obra prima que recomendo para todos sem restrições!

Post dedicado às amigas Joicy Doux Sorcière e Joyce Pretah que se lançaram junto comigo neste maravilhoso mergulho literário!

Aguardem , nos próximos dias postarei a minha crítica do filme ao qual a obra deu origem...

Meia-noite em Paris

2012-01-01T09:00:00.000-02:00

Meia-noite em Paris (Midnight in Paris) - 2011. Escrito e Dirigido por Woody Allen. Direção de Fotografia de Johanne Debas e Darius Khondji. Música Original de Stephane Wrembel. Produzido por Letty Aronson, Jaume Roures e Stephen Tenenbaum. Gravier Productions, Mediapro, Televisió de Catalunya (TV3) e Versátil Cinema / Espanha | USA.

Meia-noite em Paris (2011) é apaixonante! Woody Allen nos seduz desde a primeira sequência do filme, que faz um verdadeiro tour pela “cidade luz”. Não tem como não ficar apaixonado pela cidade, pela fotografia, pela canção que toca de fundo ou pela trivialidade, que soa quase poética... Esta belíssima introdução funciona como um prelúdio daquilo que o filme nos mostrará. A câmera que passeia pela cidade parece estar enamorada pelos pontos turísticos, pelos transeuntes e a até mesmo pela banalidade que emana do cotidiano. Esta paixão do cineasta pela descoberta do novo e pela redescoberta do clássico, que transforma suas locações em verdadeiros personagens de seus filmes, imortalizou Manhattan e já passou também por Londres e Madrid. A fase “européia” da filmografia do diretor começou com o arrebatador Match Point em 2005 e passou pelo delicioso Vicky Cristina Barcelona (2008), obras primas rodadas respectivamente na Inglaterra e na Espanha.

Em Meia-noite em Paris Woody Allen vai além, ele presta homenagem não só a cidade que lhe empresta sua estonteante beleza, ele reverencia também uma época e alguns de seus personagens mais ilustres. No filme o cineasta constrói uma verdadeira ode aos anos 20 e a alguns dos artistas que direta ou indiretamente lhe influenciaram. Não é a primeira vez que Allen usa o realismo fantástico como ferramento de linguagem em seus roteiros, mas desta vez a fantasia é tão sublime, tão bela, que nem carece de explicações ou justificativas. Tal como o personagem principal da trama, somos convidados a embarcamos em uma viagem artística e estética na qual nos sentimos constantemente entorpecidos diante do belíssimo simulacro do real que salta aos nossos olhos. O que Woody Allen constrói é um verdadeiro diálogo entre o cinema e outras expressões artísticas como a literatura, a pintura e a música. O encontro que ele cria entre seus personagens fictícios e outros inspirados em personalidades reais seria a idealização perfeita do diálogo que temos com os artistas quando entramos em contato com suas obras.

Gil Pender (Owen Wilson) é um aspirante a escritor que ganha a vida escrevendo roteiros medíocres para filmes Hollydianos, ele está de passagem por Paris acompanhado da noiva, Inez (Rachel McAdams), e dos pais dela, John (Kurt Fuller) e Helen (Mimi Kennedy). Gil tem uma visão romantizada da cidade e de seus personagens, diferente de sua noiva que só está interessada em fazer compras e do pai dela que só viajou para a França por questões de negócios. Gil e Inez não poderiam ser mais diferentes, ela não acredita que ele tenha potencial para ser um escritor bem sucedido e ele reprova constantemente o ímpeto consumista dela. A situação ameaça piorar quando eles se encontram com um casal de amigos, Carol Bates (Nina Arianda) e Paul Bates (Michael Sheen). Paul é um intelectualóide metido e arrogante, do tipo que acha saber tudo sobre tudo, Inez, que o conhece dos tempos de faculdade, surpreendentemente o idolatra, o que desperta os ciúmes de Gil.

Gil, alheio ao roteiro turístico, escolhido por Inez, John e Helen, prefere sentir Paris, ele prefere andar errante pela noite do que suportar a altivez de John em um jantar. No primeiro destes passeios noturnos, Gil, já ébrio, é abordado por alguns figurões que estão indo para uma festa e o convida para ir junto. Eles lhe dão carona em veículo típico dos anos 20, mas à princípio ele nem se dá conta disso. Sem que ele percebesse, após o relógio da catedral de Notre-Dame bater meia-noite ele fora transportado para a Paris boêmia da década de 20, na festa para a qual fora convidado ele se encontra com Zelda (Alison Pill) e F. Scott Fitzgerald (Tom Hiddleston) e logo em seguida com Ernest Hemingway (Corey Stoll). Em sua volta à “época de ouro”, ele conhece ainda Gertrude Stein (Kathy Bates), Pablo Picasso (Marcial Di Fonzo Bo) e muitos outros artistas pertencentes àquela que ficou conhecida como a “geração perdida”.

No entanto, em sua volta à década de 20, mesmo estando na presença de todos os seus ídolos, Gil tem sua atenção despertada é pela jovem Adriana (Marion Cotillard – belíssima), ela é uma amante de Picasso, que já esteve envolvida também com Modigliani e Braque. Ele enxerga nela tudo que não consegue encontrar em sua noiva, desde a sensualidade à sensibilidade artística. Este amor improvável é apenas um dos fios condutores da história, que justamente por isso admite o rótulo (odeio eles) de comédia romântica, contudo, Meia-noite em Paris é muito mais que um filme bobinho sobre peripécias do amor, com algumas tiradas engraçadas. Por falar em humor, o de Woody Allen continua afiado e com alta dosagem e acidez, sutilmente ele dispara farpas contra a política externa dos Estados Unidos, a mercantilização da arte e o pseudo intelectualismo.

Ao assistir o filme preste atenção na forma com que Owen Wilson incorpora o personagem clássico que Woody sempre interpretou em seus filmes, observe os seus trejeitos, os tiques nervosos e até mesmo a verborragia e a gagueira tipicas do “neurótico” sem nenhuma inteligência emocional. Se tal personagem não nos fosse conhecido há muitos carnavais, diria que ele fora feito sob medida para o ator, pois ele está excelente. Marion Cotillard também está ótima e sua personagem é pura sensibilidade e sensualidade. Corey Stoll tem um desempenho formidável na pele de Hemingway, sua expressão facial parece condensar toda a imagem que temos do escritor em nosso imaginário, a de um bêbado galanteador com tendências suicidas. A primeira dama Carla Bruni também não faz feio em sua curtíssima participação como a guia de um museu visitado pelos personagens. Preste atenção também em um dos diálogos mais inusitados do filme, protagonizado por Gil e pelo surrealista Salvador Dalí (Adrien Brody), e na referência ao filme O Anjo Exterminador (1962), feita através de uma dica dada por Gil ao cineasta Luis Buñuel (Adrien de Van).

Meia-noite em Paris é a prova cabal de que mesmo depois de 46 anos de produção ininterrupta Woody Allen ainda está em plena forma. O filme é de fato uma obra-prima na qual fica mais uma vez perceptível o extremo cuidado que o cineasta tem com cada aspecto, desde a trilha sonora à fotografia, passando pelas locações e pela escolha do elenco. O longa ainda evoca uma boa reflexão acerca do descontentamento que geralmente temos em relação à época em que vivemos. Existiria de fato uma “época de ouro”? Todas as gerações mostradas no filme garantem que sim, ainda que esta não seja a mesma evocada por todos... O curioso é que mesmo com tantas referências complexas à literatura, à pintura e à toda uma época, o filme ainda conseguiu ser aplaudido tanto pela crítica quanto pelo público, ele conseguiu arrecadar a maior bilheteria da carreira de Allen, sem que precisasse para isso ter um roteiro raso e/ou apelativo. É sem dúvidas um dos melhores e mais belos filmes de 2011. Ultra recomendado!

Assista ao trailer de Meia-noite em Paris no You Tube, clique AQUI !

Meia-noite em Paris está indicado ao Globo de Ouro nas categorias de de Melhor Filme - Comédia ou Musical, Diretor, Ator - Comédia ou Musical (Owen Wilson) e Roteiro. No SAG o filme está indicado na categoria de Melhor Elenco.

Confiram também, aqui no Sublime Irrealidade, outras resenhas de filmes de Woody Allen:

O Dorminhoco (1973)

Bananas (1971)

Tudo o que Você Sempre Quis Saber Sobre Sexo... (1972)

Crimes e Pecados (1989)

Planeta dos Macacos – A Origem

2011-12-31T01:40:00.000-02:00

Planeta dos Macacos – A Origem (Rise of the Planet of the Apes) - 2011. Dirigido por Rupert Wyatt. Escrito por Amanda Silver e Rick Jaffa, indiretamente adaptado da obra de Pierre Boulle. Direção de Fotografia de Andrew Lesnie. Música Original de Patrick Doyle. Produzido por Peter Chernin, Dylan Clark, Rick Jaffa e Amanda Silver. Twentieth Century Fox Film Corporation / EUA.

Sempre digo que um bom filme é aquele capaz de nos transportar para além de sua proposta original. Boa parte da impressão que tenho diante de uma obra cinematográfica é devida à carga de conhecimentos e experiências que já trago em minha bagagem. O que acontece durante a exibição é uma espécie de diálogo entre eu, o autor e a obra, como em qualquer processo de comunicação surgem de tal interação diversas variações de uma mesma verdade. Considero que a proposta original do filme, cunhada pelos seus realizadores, seja a primeira verdade, o resultado final deste processo de produção é uma segunda, a ideia que eu elaboro ao decodificar a obra é uma terceira verdade. Diferentes críticos podem valorizar uma destas “verdades” em detrimento das outras, isso fica claro pelas suas resenhas, eu pessoalmente prefiro analisar o filme de acordo com a minha “verdade”, aquela que elaboro sob influência da bagagem que trago comigo, minha “verdade” pode ser ou não condizente com as outras duas “verdades” inerentes à obra, mas em nenhum das situações eu nego a estas, pois de uma forma ou de outra elas são varáveis determinantes na análise fílmica que geralmente ensaio.

Planeta dos Macacos – A Origem (2011) é uma obra do tipo que nos transporta para além da “verdade” de seus realizadores. É perceptível que o principal interesse deste filme, desde a sua concepção, é o de se tornar um sucesso de bilheteria e não o der ser uma ponte para reflexões profundas ou canal de disseminação de ideias, contudo, ao menos em minha “verdade”, ele funciona como tal. Antes de fazer a minha análise, eu preciso lembrar que este é um prequel (termo usado para designar filmes que explicam a origem de outros filmes), cuja franquia original foi inspirada em uma obra literária. Diferente dos filmes a que deu origem, no livro, escrito pelo francês Pierre Boulle, a história ganha em contorno metafórico bem mais forte, nele, que é frequentemente associado à outras obras de temática semelhante, como Admirável Mundo Novo de Aldous Huxley e 1984 de George Orwell, o planeta dominado pelos símios se torna uma clara analogia das ditaduras e dos governos totalitários.

O primeiro filme da franquia de Planeta dos Macacos estreou em 1968 e se tornou quase um “cult”, ele gerou 4 continuações que não tiveram o mesmo sucesso de crítica. Após ter se tornado uma série de televisão e até desenho animado, a história foi revisitada em 2001 por Tim Burton que fez um remake (injustificável e irregular, diga-se passagem) do primeiro longa. A versão deste ano, dirigida por Rupert Wyatt, passa longe, bem longe, do teor contestatório da obra literária, no entanto ela consegue a proeza de recolocar a franquia nos eixos. Pode não ter sido um objetivo do filme criar analogias ou metáforas, esta pode não ter sido a “verdade” de seus realizadores, contudo ele me conduziu à uma série de reflexões que foram pontuadas pela sua trama e pela minha já citada bagagem. Substitua os símios por uma cultura menos expressiva socialmente e teremos uma alegoria perfeita acerca da adaptação, da inclusão social e da liberdade... Substitua os símios por pessoas “comuns” e teremos uma alegoria de nós mesmos, que desconhecemos nossa própria força e que aceitamos imposições pela falta de questionamentos... Propositalmente ou não, o roteiro toca em outros temos polêmicos como a exploração de animais, a vivissecção e o embate entre a ciência e a ética.

O curioso é que durante boa parte do filme somos induzidos a torcer pelos símios e não pelos homens, isto seria um reflexo da onda do politicamente correto tem tomado conta de boa parte das produções do cinema pipoca. Alguns dos personagens secundários do filme exemplificam bem a ganância e a irracionalidade (!) do homem, isto faz com que não seja tão difícil sentir raiva e repulsa de toda o gênero humano. Torcemos por uma revolução que traga a libertação aos símios e que seja ao mesmo tempo a punição para os sequentes erros da humanidade, da qual deixamos de nos sentir parte durante a história, queremos uma punição que funcione como catarse, queremos a liberdade dos grandes macacos, mas na verdade o que ansiamos é pela nossa própria libertação. Não é difícil imaginar que nós como humanidade possamos estar caminhando para uma catástrofe que pode nos levar à extinção, catástrofe da qual seremos nós os únicos responsáveis, o castigo imposto a alguns personagens humanos no filme ajuda a aplacar nossa própria culpa, pois diante da tela concluímos que os responsáveis (a raça humana - não fazemos parte dela) já foram apontados e punidos... viva la revolucion!

Na trama, o cientista Will Rodman (James Franco) trabalha em uma grande corporação farmacêutica, ele pesquisa em símios os efeitos de uma droga que poderia retardar e até curar em humanos os sintomas do mal de Alzheimer. Sua principal motivação tem sido seu próprio pai, Charles Rodman (John Lithgow), que já está senil e em uma fase bem avançada da doença... A primeira sequência do filme mostra a captura de chipanzés na floresta, dentre eles está uma fêmea, que ao chegar ao laboratório é apelidada de Olhos Azuis, ela é a cobaia que mostra melhores resultados ao ter o novo medicamento testado em si, sua atividade cerebral aumenta, mas ela se torna agressiva. Somente quando já é tarde demais, os pesquisadores descobrem que o motivo de sua agressividade era um filhote, a quem ela tentara proteger, ela dera a luz sem que ninguém no laboratório descobrisse. A pesquisa é interrompida pelos seus financiadores após um grave incidente, o gestor do laboratório toma a decisão cruel de sacrificar todas os chimpanzés que usados como cobaia, compadecido Will aceita levar o filhote de Olhos Azuis para casa, para que ele não tenha o mesmo destino dos outros macacos.

O filhote de chimpanzé (Andy Serkis – através da "captura de movimentos"), que ganha o nome de Cesar (uma clara alusão ao nome de um dos personagens de um dos filmes anteriores da franquia), se torna quase um bichinho de estimação, ele recebe amor e carinho tanto de Will, quanto do velho Charles. À medida que Cesar vai crescendo, Will percebe nele uma evolução intelectual descomunal, que em alguns períodos chega a ultrapassar a de uma criança, é então que o cientista descobre que ele herdara geneticamente da mãe os efeitos do medicamento a que ela estivera exposta. A atividade cerebral intensa desperta em Cesar a consciência de sua própria condição, coisa que pressupomos que só o ser humano tenha. Ao se reconhecer como indivíduo ele passa aspirar uma vida independente, passa a querer ser um humano e se livrar assim de sua condição animalesca. Will não consegue compreender isso e seu carinho por Cesar em algumas situações só faz aumentar o impulso violento do símio.

Por ironia do destino, assisti Planeta dos Macacos – A Origem no mesmo dia que morreu Jiggs, o chimpanzé que interpretou Chita em doze filmes do Tarzan nas décadas de 30 e 40, o curioso de tudo isso é que o filme atual prenunciou uma outra espécie de morte, a morte de algo do qual Jiggs era o maior símbolo vivo, o uso de animais reais no cinema. Não é de fato uma morte decretada, mas o filme de Rupert Wyatt, com o excelente uso de novas tecnologias, ajuda a tornar obsoleta uma prática com a qual eu nunca concordei e isto é, ao meu modo de ver, um de seus pontos mais positivos. Os símios recriados através da técnica de captura de movimento são quase reais, a segurança na utilização da técnica fica perceptível através dos close-ups e dos movimentos ousados, artifícios dos quais o filme usa e abusa. O elenco humano, mesmo sendo quase secundário, está muito bem e a construção dos personagens centrais e de alguns dos coadjuvantes deixam a trama ainda mais convincente. Se o objetivo era mesmo tão somente o de criar um prelúdio para a franquia clássica, o filme merece todas as honras... apenas tenho medo das próximas sequências deste, que certamente virão.

Planeta dos Macacos – A Origem talvez seja o melhor filme pipoca dentre os lançados neste ano que assisti... Ao assisti-lo, desconsidere as pequenas falhas do roteiro, a superficialidade de algumas situações e o exagero de outras, pois são características inerentes ao gênero, e provavelmente você chegará á mesma conclusão que eu. Além da tecnologia de ponta, o filme tem ao seu favor uma história concisa e bem amarrada, um bom ritmo e um desenvolvimento sem muita dualidade ou complexidade, o que o torna uma obra fácil de cair no gosto popular. A maior façanha do filme é conseguir se destacar em um gênero tomado por inúmeras obras descartáveis, gênero este saturado por histórias de super-heróis, lutadores e carros que viram robôs... Vale lembrar que se você se dispuser a ligar o cérebro durante a exibição, esta pode se tornar ainda melhor, a minha dica é que você transcenda a ideia original do filme e encontre nele a sua própria verdade (esta dica não vale tão somente para Planeta dos Macacos)... Recomendo!

Assistam ao trailer de Planeta dos Macacos – A Origem no You Tube, clique AQUI !

Histórias Cruzadas

2011-12-27T23:14:00.000-02:00

Histórias Cruzadas (The Help) - 2011. Escrito e Dirigido por Tate Taylor, baseado no romance de Kathryn Stockett. Direção de Fotografia de Stephen Goldblatt. Música Original de Thomas Newman. Produzido por Michael Barnathan, Chris Columbus e Brunson Green. DreamWorks SKG, Reliance Entertainment. / EUA.

Acredito que Histórias Cruzadas (2011) seja realmente um fortíssimo candidato na temporada de premiações que se aproxima. Ele é ótimo, mas não é tão somente por isso que eu o aponto como um dos favoritos. Ele é o tipo de filme, que nos faz sentir bem e que ao final da exibição nos deixa uma agradável sensação de paz e harmonia. Quem já leu a sinopse, deve estar se perguntando como um filme que fala sobre preconceitos e racismo pode ser agradável ou trazer sensação de paz para alguém? Pode parecer absurdo mas é isto que acontece. A trama do longa está ambientada no sul dos Estados Unidos e se passa durante os anos 60. Historicamente, os sulistas são lembrados de forma negativa por terem defendido e prolongado durante anos o fantasma da escravidão, mas mesmo com o abolicionismo, que aconteceu após o fim da guerra civil americana, resquícios da exploração e da exclusão social do negro permaneceram bem vivos e intocados.

Durante os anos 60, enquanto as manifestação pelos direitos civis aconteciam em outras partes do país, no sul o destino de mulheres negras continuava sendo, quase que exclusivamente, se tornar empregadas domésticas. Nas casas onde trabalhavam elas não tinham o direito, por exemplo, de comer junto com os patrões e nem sequer podiam usar os mesmos banheiros que eles, no entanto eram elas quem sustentavam boa parte da pirâmide social e do status quo vigentes na época, pois eram elas as educadoras das crianças brancas, a quem davam amor e carinho enquanto seus próprios filhos cresciam sozinhos e desamparados. Histórias Cruzadas mergulha na realidade destas mulheres guiado pelo olhar utópico e sonhador da personagem central, Eugenia 'Skeeter' Phelan (Emma Stone), ela é uma aspirante a jornalista e escritora que se dispõe a escrever sobre o cotidiano das empregadas domésticas.

Skeeter consegue um emprego em um jornal local, onde responde a cartas de leitores se passando por outra jornalista. Para ser convincente naquilo que escreve, ela precisa entender mais sobre afazeres domésticos e o cotidiano de uma dona de casa, ela então decide pedir a ajuda de Aibileen (Viola Davis), a emprega de uma de suas amigas. Através dos relatos da mulher, Skeeter compreende que as histórias acerca daquela realidade precisavam ser contadas de uma forma que nunca antes tinha sido feita, com o apoio de uma editora ela dá inicio à empreitada, sem saber dos obstáculos que teria que transpor para realizar o trabalho e do risco que estaria correndo ao fazê-lo. Surge então a primeira dificuldade a ser enfrentada, sua editora lhe cobra o depoimento de no mínimo 12 mulheres, mas apenas Aibileen se dispõe a falar, mas logo em seguida Minny Jackson (Octavia Spencer) entra em cena, ela é outra empregada doméstica que, convencida por Aibileen e pela jornalista, também decide se abrir e contar sua história.

Aibillen e Minny têm em comum as marcas impressas pela vida, ambas já sofreram um bocado com os maus tratos de suas patroas e em suas própria casas, Minny é constantemente agredida pelo seu esposo que responde com violência às situações inerentes à sua dura realidade, Aibileen no entanto é mais marcada pelo seu passado, ela tenta superar uma grande perda e usa a resiliência para lidar com sua patroa, ela tem um forte apego pela criança de quem cuida, uma garotinha carente e desprezada pela mãe. Toda a realidade mostrada no filme aparenta estar maquiada pelas convenções sociais, as mulheres brancas vivem de aparências e se amparam no suporte dado pelas negras, ao contrário destas elas não têm autonomia e não têm a mínima condição de sequer criar seus filhos. No fundo percebemos que todas, tanto as brancas quanto as negras, são vítimas do machismo e de outros tipos de preconceitos, que resultam em feridas e na exclusão e na rejeição do diferente. Curiosamente as patroas aparentam estar mais carentes de aceitação e aprovação da sociedade do que suas empregadas.

Percebe-se que todas as outras mulheres brancas direcionam olhares tortos para Skeeter, elas reprovam seu relacionamento com as negras e o fato dela ser financeiramente independente e de ainda não ter se casado, de fato as aspirações que a jovem escritora demonstra ter são bem diferentes daquilo que se tinha como padrão de comportamento social... Mas Skeeter não é a única mulher branca que não se permite ser contaminada pelo preconceito, Celia Foote (Jessica Chastain) é outra que leva uma vida alheia às etiquetas sociais, ela é contestadora, porém de uma forma quase simplória, ela não é bem aceita pelas outras mulheres e não consegue viver plenamente a vida de convenções que a sociedade lhe cobra. O preconceito para ela não faz sentido pois ela também não tem a aceitação que busca, isto faz com que ela se sinta mais a vontade na companhia de uma negra do que junto das outras socialites.

Apontei este filme como um dos favoritos para a temporada de premiações pois ele é justamente o tipo de produção que uma boa parcela da crítica gosta de ovacionar, ele é tecnicamente bem feito, possui ótimas atuações (comento cada aspecto a seguir) e como eu já disse, ele traz uma agradável sensação de harmonia, que agora explico: Percebe-se no filme que os personagens antagonistas são bastante maniqueístas, a impressão que o roteiro nos passa é a de que eles são realmente covardes o que nos provoca repulsa, suas atitudes parecem demasiadamente exageradas em várias sequências e isto tem um motivo: Não permitir que nós espectadores nos identifiquemos com eles, assim, diante deles nossos preconceitos (todos os temos) parecem menores e quase inocentes, sentimos raiva, mas logo a sensação de paz vem junto com o convencimento de que definitivamente não somos como eles. Acredito que o filme será bem aceito mesmo no sul dos Estados Unidos, pois ele, ao mesmo tempo que acerca as contas com um passado recente, ainda nos prova que somos melhores por repudiarmos as atitudes extremas mostradas durante a história.

Além de nos provocar esta sensação de bem estar, o filme ainda tem tudo para agradar os cinéfilos mais exigentes e até mesmo o mais autêntico representante do público médio. Dia desses eu discutia cinema com um amigo e ele disse que “geralmente a crítica espera que o filme seja ao mesmo tempo 'cult' e capaz de cair no gosto popular com facilidade”, se isso é de fato uma verdade, Histórias Cruzadas deixa de ser um dos favoritos e se torna o favorito aos tão cobiçados prêmios. Ele tem tudo na medida certa, os toques de humor, a carga dramática... tudo funciona perfeitamente, tornando-o assim capaz de nos emocionar e nos cativar de uma forma maravilhosa. A fotografia é exuberante, a trilha sonora é ótima e o roteiro linear é muito bem escrito e evoca em nós tanto sentimento nobres, como a compaixão e a solidariedade, quanto o o repúdio e o asco.

As interpretações merecem realmente um destaque à parte, este é outro filme que comprova que no tocante às atuações este é o ano das mulheres no cinema. Comecei assistir ao filme esperando um show particular de Viola Davis, ela realmente dá um verdadeiro espetáculo, assim como a bela Emma Stone, no entanto quem rouba a cena são Octavia Spencer e Jessica Chastain, elas estão simplesmente perfeitas, Octavia nos convence apenas com o seu olhar expressivo que comove e ao mesmo tempo provoca ótimas risadas, Jéssica está sublime, não tem como não se simpatizar pela sua personagem, cuja composição caricata se contrapõe a tudo aquilo que o filme nos induz a repudiar. Histórias Cruzadas não é nem de longe um filme original ou inovador, mas nem por isso ele deixa de ser uma grande obra que merece aplausos de pé... Já estou na torcida para que ele arrecada um boa quantidade de prêmios, principalmente na categoria de atrizes coadjuvantes... Fiquem de olho e não o percam! Ultra recomendado!

Histórias Cruzadas está indicado ao SAG Awards 2012 nas categorias de Melhor Atriz (Viola Davis), Melhor Atriz Coadjuvante (Jessica Chastain e Octavia Spencer), Melhor Elenco. No Globo de Ouro ele está indicado nas categorias de Melhor Filme - Drama, Melhor Atriz - Drama (Viola Davis), Melhor Atriz Coadjuvante (Jessica Chastain e Octavia Spencer) e Melhor Canção Original.

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A Felicidade Não Se Compra

2011-12-25T19:10:00.001-02:00

A Felicidade Não Se Compra (It's a Wonderful Life) - 1946. Produzido e Dirigido por Frank Capra. Escrito por Fabiana Frank Capra, Frances Goodrich e Albert Hackett. Direção de Fotografia de Joseph F. Biroc, Joseph Walker e Victor Milner. Música Original de Dimitri Tiomkin. Liberty Films (II). / EUA.

A Felicidade Não Se Compra (1946) de Frank Capra é na minha humilde opinião o melhor filme de natal de todos tempos, não porque ele tenha sido inovador ou revolucionário, mas por ter captado como nenhum outro, com uma delicadeza suprema, cada um dos clichês que convencionalmente chamamos de espírito natalino. Neste caso específico, quando falo de clichês, falo da maneira mais positiva possível, afinal não tem como falar de natal sem se render a uma boa dose deles. É nesta época do ano que geralmente abaixamos a nossa guarda, que nos permitimos emocionar com mais facilidade e que tentamos nos enganar nos convencendo de que estamos vivendo ao menos um pouquinho melhor que o personagem de Um Conto de Natal de Charles Dickens. Profissionais da área de psicologia já falam de uma espécie de depressão de natal, que seria um sentimento de vazio que acomete algumas pessoas no período antecedente e posterior à data, de fato as pessoas ficam aparentemente mais sensíveis, no entanto isto tem pouco a ver com humanitarismo ou altruísmo, em algumas das vezes se deve a um sentimento de perda ou de culpa motivados pelo que fizemos ou deixamos de fazer no ano que chega ao fim.

Este excesso de sensibilidade ajuda a explicar em partes o sucesso que este filme conquistou com o passar dos tempos. A Felicidade Não Se Compra não chegou nem perto do retorno financeiro esperado pelos seus realizadores, o que quase levou sua pequena produtora à falência, o insucesso das bilheterias pesou negativamente e foi determinante para que o filme não tivesse os direitos de sua exibição comprados por nenhum dos grandes estúdios da época, o resultado disso é que com pouco tempo a obra já tinha se tornado de domínio público. Nos anos que se seguiram a exibição do filme na TV aberta americana, na noite de natal, se tornaria quase uma tradição, foi então que ele começou a conquistar e cativar seu público. A admiração por ele só se fez aumentar, ao ponto de ele passar a figurar em boa parte das listas de melhores filmes de todos os tempos. A minha teoria para explicar tal fenômeno é simples, o filme só não conseguiu sucesso imediato porque seus espectadores não estavam prontos para ele. Desassociado do contexto natalino a obra chaga a soar inocente e ingênua demais, só mesmo em um contexto de sensibilidade já aflorada ele é capaz de funcionar em sua plenitude.

George Bailey (James Stewart) é o personagem central de A Felicidade Não Se Compra, desde jovem seu sonho foi fazer uma boa faculdade e viajar mundo afora colhendo experiências, ele acreditava não ter vocação para passar o resto de sua vida em uma cidade provinciana como aquela na qual nascera, no entanto no decorrer de sua vida ele vai abrindo mão de cada um de seus sonhos em favor daqueles estão à sua volta. Após a morte de seu pai ele decide cumprir a vontade do velho e assumir sua função em um pequeno banco que realiza empréstimos e financiamentos imobiliários. Seguindo os mesmos princípios do pai, George conduz o banco de uma forma que poderia ser apontada até como irresponsável, ele se preocupa mais em realizar o sonho da gente simples de sua cidade do que em enriquecer com seu negócio, ele assume um alto risco de crédito confiando apenas no caráter das pessoas para quem empresta altas quantias em dinheiro. George, através do banco, ajuda a tornar os pobres menos dependentes e a tirá-los do aluguel e isso começa a desagradar Henry F. Potter (Lionel Barrymore), um desonesto banqueiro e locatário de imóveis, que praticamente domina a economia da cidade.

O filme, que tem pouco mais de duas horas de duração, pode ser dividido em duas partes, a primeira acompanha George desde sua infância e mostra como suas escolhas definiram a vida adulta que ele tem, a segunda parte está ambientada em apenas uma noite, a véspera do natal, naquele dia uma enorme quantia em dinheiro desaparecera do banco gerenciado por George, ele tomado pelo desespero de ser difamado, de cair em desgraça e até ser preso não vê outra saída a não ser ir para um bar e encher a cara, mas antes de ir ele faz uma oração pedindo a Deus que lhe valesse e lhe apontasse o caminho diante daquela situação, sua esposa, a bela e gentil Mary (Donna Reed) e seus quatro filhos vendo o desespero dele também se põem a orar, os seus clamores são ouvidos no céu... Deus sabia que George pretendia se matar naquela noite, se jogando de uma ponte, para salvá-lo Ele envia Clarence (Henry Travers), um anjo atrapalhado de segunda classe que está em missão para conseguir suas asas e assim ser promovido á primeira classe. Após impedir o suicídio, Clarence convida George para ver como seria sua cidade se ele não tivesse nascido (recentemente o humorístico da Globo A Grande Família fez uma paródia desta passagem do filme) é então que começa a parte mais marcante e tocante do longa, é quase impossível não se emocionar...

Assistir A Felicidade Não Se Compra é reconfortante pois ele nos conduz á uma espécie de catarse que nos ajuda a lidar com com nossos próprios medos e problemas, seu roteiro nos induz à identificação com o personagem principal e com sua trajetória. De repente as dores causadas pelas nossas frustrações são amenizadas, nos convencemos de que se também pudéssemos ver como seria o mundo sem a nossa presença, teríamos o mesmo tipo de reação de George. Como disse no início do texto, nossa sensibilidade se aflora mais pois questões egoístas do que altruístas, o filme então nos consola dizendo que, mesmo quando nos considerarmos fracassados, nós somos de alguma forma importantes e que o mundo poderia ser pior sem nossa presença. Podemos então questionar: Por que não acontece o efeito oposto? Não correríamos o risco de imaginar que o mundo poderia melhor sem a nossa presença? Eu acredito que a probabilidade de isso acontecer diminui simplesmente por ser natal, por estamos buscando não a dor, mas algum tipo de conforto e algo que nos deia um significado maior para tudo que fizemos durante o ano que ora finda.

A Felicidade Não Se Compra é pura magia, ele é sublime em sua simplicidade e ingenuidade. Ele funciona tão bem, mesmo depois de 65 anos, porque no fundo tal simplicidade é o que sempre procuramos, constantemente buscamos algo que nos convença de que nossos dilemas e problemas do cotidiano são simples e não complexos e de que a vida vale a pena ser vivida, simplesmente por ela ser maravilhosa tal como ela é, mesmo com todas as suas dores e frustrações... Além do belíssimo roteiro, ainda merecem destaque a atuação brilhante de James Stewart e a edição, que confere ao filme um ritmo que não permite que ele se torne cansativo em nenhum momento. Ao assisti-lo deixe de lado o repúdio aos clichês e se renda ao espírito de natal, desta forma você dificilmente estará imune aos maravilhosos efeitos que ele é capaz de provocar... assista-o antes que o espírito de natal desapareça e deia lugar egoísmo não poético do cotidiano... Ultra recomendado!

A Felicidade Não Se Compra ganhou o Globo de Ouro na categoria de Melhor Diretor. No Oscar, o filme foi indicado nas categorias de Melhor Filme, Ator (James Stewart), Diretor, Edição e Som.

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